RENAIXEMENT ITALIÀ
QUATROCENTO
El Renacimiento aparece en Italia (Florencia) y luego se extiende por el resto de Europa. Consta de dos momentos:
· Quatrocento: s. XV: nace en la próspera y culta Florencia
· Cinquecento: s. XVI, es el período clásico del Renacimiento. Roma sustituye a Florencia como principal foco artístico. El Renacimiento se extiende por Europa occidental. A finales de éste siglo se produce el Manierismo y la crisis del propio arte renacentista.
Es un movimiento complejo que afecta el campo artístico, político y cultural. Su origen está en una corriente más amplia: el Humanismo que busca en los clásicos las bases del racionalismo.
El Renacimiento es el renacer de las formas y del espíritu del arte clásico
-Grecia y Roma- tras el paréntesis de casi un milenio de “oscuridad”. El ser humano vuelve a ser el eje y medida de todas las cosas. La nueva visión del mundo se fundamenta en la razón, en oposición a la precedente , basada en la fe. Supone un cambio de mentalidad del hombre y su despegue hacia el mundo moderno: se trata de eliminar el sistema jerárquico medieval y efectuar una valoración de la humanidad y de la dignidad del individuo.
El “individualismo” (valoración del hombre individual) provoca un cambio a la hora de entender el arte, la obra y el artista.
El arte mira y se fija en el hombre. Esta atención implica una mirada a los clásicos para quienes la proporción y la medida emanaban del propio cuerpo humano.
También el artista aparece como individuo que posee una técnica y la desarrolla. Los artistas firman sus obras y cada uno tiene sus rasgos estilísticos para distinguirse de los demás. El artista es un estudioso y un investigador, sabe de anatomía, geometría, perspectiva, etc., con estos conocimientos crea una obra, fruto de una técnica y un razonamiento, que tendrá una cotización.
Durante el Renacimiento, la obra se realiza en el taller de un maestro. Cada maestro tiene su taller con sus aprendices y colaboradores. Su mantenimiento y realizaciones no hubieran sido posibles sin la intervención de los “mecenas”: papas, reyes, prícipes, financieros, grandes señores, burgueses, serán los protectores del arte. Se financian las empresas artísticas destinadas a una función pública, religiosa o política y también, para la propia exaltación, prestigio o gloria personal o familiar. El mecenas y su familia aparecen en las representaciones como actores. Es una manifestación del individualismo y del afán de destacar. Se encargan las obras y las cortes europeas se hacen con los artistas más prestigiosos del momento. Ello es posible gracias a la liberación de la estructura gremial medieval. El taller ofrece más independencia al artista y así, aparece un sistema de marcado artístico: la contratación permanente de artistas a sueldo o por superficíe pintada y el sistema de encargo de una obra determinada.
EL SIGLO XV. LOS INICIOS DE LA EDAD MODERNA.
CONTEXTO SOCIAL, ECONÓMICO, POLÍTICO, CULTURAL Y ARTÍSTICO.
En el siglo XV se dan los cambios que llevaron a final de la Edad Media y a los inicios de la Edad Moderna. La fecha clave es 1453 (los turcos toman Constantinopla a los musulmanes).
Sociedad.
Tras la crisis de finales de la Edad Media la economía europea se recuperó. Desaparecieron las hambrunas y las pestes y en consecuencia, se dió un incremento demográfico.
La sociedad se mantuvo en una estructura estamental (hasta el s. XVIII). La nobleza y el clero mantenían la exención de impuestos y poseían la mayoría de las tierras, pero fueron perdiendo su influencia política.
La base de la pirámide social la ocupaban los no privilegiados:
- los campesinos: el 80% de la población, dependian de la actividad agraria y de la economía de subsistencia, carecían de poder comercial y estaban sometidos a los señores.
-la burguesía que crece con las ciudades góticas y la actividad comercial y financiera. Inició la acomulación de capital y pudo invertir y prestar dinero.
Un caso esoecial lo constituye la alta burguesía, sector poderoso. Crearon compañías privadas de comercio y las primeras factorías. Llegaron a dominar los gobiernos de las ciudades, a comprar títulos nobiliarios y a ser acreedores de las principales monarquías europeas.
Economía.
Continua la producción artesanal y el crecimiento comercial y financiero iniciado en la Baja Edad Media. Además se da la aparición de nuevas rutas comerciales gracias al desarrollo de instrumentos ya conocidos como la brújula, y a nuevos medios como el astrolabio y la carabela.
La acumulación de capital ocasionó la circulación masiva de dinero. Los poseedores de grandes fortunas comenzaron a realizar préstamos a un interés cada vez mayor.
Las monarquías europeas basaron su poder sobre las teorías bullonistas(acumulación de oro y plata) y se convirtieron en las principales deudoras de la burguesía. Los Estados aplicaron medidas proteccionistas a la producción comercio nacional.
Política.
Se desarrollan las monarquías autoritarias en Francia y la Península Ibérica. En el Sacro Imperio y en Italia se mantuvo la fragmentación territorial y política con algunos estados gobernados por la alta burguesía (Medicis en Florencia). Además, algunas ciudades del norte de Italia (Génova, Venecia, Florencia) eran importantes focos comerciales. Y los Estados Pontificios estaban gobernados directamente por el papado.
Cultura.
Italia contaba con un importante legado cultural procedente de la antigua civilización romana y griega. Con el desarrollo de las universidades góticas y las Academias del s. XV apareció un nuevo pensamiento basado en el estudio científico y en el conocimiento del ser humano.
Este antropocentrismo consideraba al hombre como el principio fundamental del universo y la cima de la creación, y fue la base de la transformación cultural surgida en el XV y XVI, el humanismo. Apareció y se desarrolló en Italia y supuso un cambió en la filosofía del momento. Se pasa a valorar el pensamiento de Platón (neoplatonismo).
Arte.
Las ideas humanistas propiciaron el abandono de las fórmulas medievales y la aparición de las ideas estéticas clásicas griegas y romanas, más acordes con el antropocentrismo de la época.Este proceso de cambio artístico fue conocido como Renacimeinto, un nuevo arte que insiste en el conocimiento del hombre y mira, como referente, el mundo clásico.
En el Quatrocento se introdujeron los principales cambios en el arte respecto al Gótico:recuperación de los modelos clásicos, alejamiento de los temas solo religiosos, estudio matemático de las proporciones. Aparecieron los tratadistas del arte.
El desarrollo del nuevo arte partió de Florencia, gracias al impulso del mecenazgo de3 familias con poder, como los Médicis.
Además, en este contexto de desarrollo cultural y económico, aparece la figura del mecenas: miembro de la alta burguesía , alta nobleza o un monarca, que adquiría obras de arte, llegando a mantener a los artistas para que pudieran llevar a cabo su actividad y ampliar sus conocimientos. Esto permitió revalorizar el papel del artista en la sociedad. De artesano pasa a ser valorado por su actividad mental, dejó de ser una figura anónima y llegó a adquirir un importante estatus social.
ARQUITECTURA DEL QUATROCENTO (S. XV). BRUNELLESCHI Y ALBERTI.
Las primeras manifestaciones se dan en Italia, concretamente en Florencia, (aunque se darán diversas escuelas a causa de la fragmentación política). Aqui los Medicis son la familia próspera de la ciudad y se convertirán en los mecenas del arte.
Se teoriza sobre la arquitectura. El edificio es resultado de un estudio matemático, sigue unas leyes que le dan armonía, busca la proporción y la perfección.
Algunos rasgos característicos de esta arquitectura son:
· Preferencia por las formas simples y sintéticas: arco de medio punto, bóveda de cañón, cubierta de madera,...
· Recuperación de los órdenes clásicos
· Simetría y regularidad de los elementos constructivos y unidad del conjunto, perceptible en los espacios interiores, donde las líneas de perspectiva guían la mirada del observador.
· El muro vuelve a ganar importancia: es un elemento fundamental de cierre y apoyo. Aparece limpio, sin frescos ni retablos. Se valora la pureza de líneas que se asimila a la “claridad divina”.
· La iglesia presenta un espacio que pierde la tensión longitudinal hacia el altar. Los renacentistas prefieren la planta centralizada (cruz griega o circular), acorde con la imagen clásica del universo, aunque es menos adecuada para las exigencias y necesidades litúrgicas. Por eso se fusionan ambas formas (longitudinal y central): al cuerpo longitudinal se añade una cabecera de planta centralizada presidida por un cúpula sobre pechinas ( modelo:Panteón de Roma).
· Las fachadas presentan armonía y ritmo combinando las elementos escultóricos y arquitectónicos.
· Además de los edificios religiosos, se construyen palacios urbanos, villas y fortalezas militares.
FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-1446)
Brunelleschi recibió una amplia formación en matemáticas y geometría. Era inventor de máquinas y técnicas constructivas, fue aprendiz de orfebre. Todo esto le ayudó a emanciparse de las tradiciones arquitectónicas locales y a convertirse en un innovador. Así lo demostró cuando consiguió que le encargasen el proyecto más ambicioso de su tiempo: acabar la construcción de la catedral de Florencia. Su magnífica cúpula hizo de la catedral la mayor y más alta de las iglesias italianas, cambió la imagen de Florencia, que vivía entonces su máximo esplendor artístico y mercantil.
La catedral era de estilo gótico. Desde su inicio estaba planificada la construccuón de una cúpula gigante sobre el crucero. En 1418 se convocó el concurso para adjudicar las obras. Brunelleschi presentó una maqueta tan innovadora que aun antes de acabarla ya fue elegida, ganando a otros competidores como Ghiberti. Su novedad estaba en la propuesta de construcción sin cimbra, mientras que el resto de concursantes presentaron propuestas de carísimos y casi imposibles andamiajes que debían sustentar la cúpula desde el suelo.
Su construcción supuso un acontecimiento excepcional porque se realizó sin cimbras(armazones de madera de forma curva que sirven de soporte a una bóveda o arco mientras se construye) ni andamios que partieran de tierra. Brunelleschi ideó un método de autosustentación para alzarla: planteó la cúpula como un doble cascarón octogonal con un espacio vacío esférico en medio. El cascarón interno debía ser más resistente que el externo para sostenerlo. Además la tensión del conjunto fue contrarrestada desde el extrior por los propios nervios visibles y diversas semicúpulas de descarga; y desde el interior por una serie de costillas horizontales y por nervios ocultos en las caras octogonales.
Externamente la cúpula presenta un aspecto esbelto gracias a la curvatura de los ocho nervios de mármol blanco que la conforman y ascienden hasta la cúspide. Los nervios se unen y dan paso a una estilizada linterna.
La cúpula, cuyas caras están recubiertas de tejas rojas, se alza sobre un tambor octogonal de piedra revestido de mármol – blanco, verde y rosado - con una gran ventana circular en cada uno de sus lados.
En el Hospital de los Inocentes de Florencia Brunelleschi realiza una obra plenamente renacentista: pórtico esbelto, ventanas coronadas por frontón. También innovador se manifiesta en las basílicas de S. Lorenzo y Santo Espíritu de Florencia donde revitaliza el plan basical y elabora una planta de cruz de latina por su funcionalidad litúrgica, pero el crucero está cubierto con cúpula y las naves laterales continuan en la cabecera, con lo que centraliza el espacio y le da unidad. Predomina la claridad espacial. Se busca la proporción y la armonía de las formas, fruto de cálculos matemáticos y geométricos en cuya base se halla el cuerpo humano.
Construye el palacio Pitti, encargo de Luca Pitti. El palacio era el templo de la fama, la expresión del poder de la burguesía. Brunelleschi juega con el sillar almohadillado y crea un conjunto dotado de horizontalidad, masa y robustez gracias a su forma cúbica dividida en plantas con ventanas alineadas, cornisas salientes y una puerta de acceso en la fachada.
También destacable es la capilla de los Pazzi en Florencia, donde introduce una planta rectangular cubierta con cúpula sobre pechinas.
LEO BATISTA ALBERTI (1404-1472).
Aprendió arquitectura en Roma, estudiando el Coliseo. El año 1434 fue clave para Alberti. Viajó a Florencia, conoció sus obras y las estudió. A partir de ahí, se interesó por la arquitectura desde un punto de vista teórico: su tratado De re aedificaroria sienta las bases de las realizaciones posteriores, introduce la ciencia arquitectónica basada en el número y la proporción. Sometió la arquitectura a un proceso de racionalización, desarrollando un nuevo y coherente sistema de proporciones.
Alberti destacó en arquitectura, pero también como brillante conversador, gran atleta, hábil dramaturgo, reconocido organista, pintor y conocedor de la física y las matemáticas.
El primer encargo arquitectónico que recibió fue el palacio Rucellai. Su proyecto pretendía plasmar en una construcción real las proporciones, la armonía y la belleza de los edificios. Sin embargo, el propietario se empeñó en un proyecto mayor dejando atrás el ideal de proporciones de Alberti. No obstante, la utilización de los órdenes clásicos en una fachada palatina supuso la plasmación pràctica de los principios de la nueva arquitectura renacentista y estableció un modelo que sería imitado durante más de cuatrocientos años. Alberi se decantó por los órdenes clásicos para dar al edificio una grandiosidad acorde con la posición de los Rucellai y de esta manera, el palacio expresó el poder de la burguesía en el contexto de riqueza. Esplendor y orgullo de la próspera Florencia del momento.
En Sta. María Novella de Florencia crea una fachada basada en el número, la proporción y el ritmo. También introduce la planta con nave única y capillas entre contrafuertes. La nave central se ilumina con una cúpula.
En San Andrés de Mantua utiliza la cruz latina con naves laterales que poseen capillas entre contrafuertes. La fachada del templo se inspira en el mundo clásico: el primer cuerpo es concebido como un arco del triunfo romano (arco de Trajano). También la influencia de la arquitectura romana se observa en el templo de Malatesta en Rímini.
PINTURA ITALIANA DEL QUATROCENTO.
MASSACCIO Y BOTTICELLI.
Durante los primeros años del s. XV es clara la influencia de Giotto en la pintura: la monumentalidad y el volumen, el movimiento, la expresión y el dramatismo.
A lo largo del siglo XV y parte del XVI, la pintura se orientará a la resolución de problemas técnicos planteados en el Trecento. Así, algunos de los rasgos distintivos de la pintura del quatrocento son:
· Uso de la perspectiva para dotar de espacio y profundidad a la obra. Es habitual el uso de la perspectiva lineal (el cuadro se presenta como una ventana abierta mostrando un paisaje que se pierde en la lejanía, sobre el que las figuras se ordenan en sentido decreciente) y de “quadraturas” (arquitecturas fingidas y escenarios)
· Importancia de la luz y en consecuencia, del clarooscuro: se definen los contornos de la figura a través de los contrastes entre zonas ilumniadas y las sombras. Esto confiere volumen y se evita el planismo medieval.
· Dominio del dibujo sobre el color.
· Se mantienen las proporciones a la hora de disponer las figuras.
· Incorporación de nuevas técnicas e instrumentos: óleo, lienzo como soporte, esbozos preparatorios,etc.
· Composiciones más complicadas: aparecen varias escenas y diverso personajes, pero siempre dentro de un equilibrio y orden. La composición se organiza en base a líneas geométricas que dan estabilidad: horizontales, triángulo, círculo.
· Temas: el ser humano es el protagonista. Los contenidos son variados: religioso con un tratamiento más naturalista, mitológicos, profanos. El retrato abunda, es reflejo de una individualidad (no se usa solo para constatar la condición social del personaje).
· Máximo naturalismo en las representaciones.
TOMMASO DI SER GIOVANNI, MASSACCIO (1401-1429).
Massaccio culminó elcamino de acercamiento a la realidad iniciado por Giotto (XIV), si bien sus personajes parecen ya de carne y hueso. Antepuso la simplicidad, la unidad de la composición y la representación del espacio tridimensional a los detalles y a la decoración. Además compartió una visión renovadora del arte con sus contemporáneos, Brunelleschi y Donatello. Del primero adquirió el conocimiento de la proporción matemàtica y la escenografía arquitectónica de sus pinturas. Del segundo, sus conocimientos del arte clásico, que le apartaron del estilo gótico.
La características principales de sus escasas pero excelentes obras son:
· el aspecto monumental, macizo y majestuoso de sus personajes.
· Movimientos medidos.
· Color aplicado para conseguir una gradación que le permita la perspectiva tridimensional.
· La luz confiere corporeidad a las figuras y las cosas.
· La pespectiva es aérea más que lineal, creando ambiente
Masaccio aporta un elevado interés hacia la perspectiva científica al dotar de un nuevo sentido del espacio a sus composiciones, la expresión de sus personajes y el empleo de la iluminación, que transmiten a sus obras un lenguaje crucial para la evolución de la pintura renacentista considerándose como el primer maestro del Quattrocento, que influiría en artistas como Botticelli, Fra Filippo Lippi o Miguel Ángel.
Obras: La Trinidad, El tributo, retrato de perfil, Crucifixión.
SANDRO BOTTICELLI (1444-1510)
Se inicio como orfebre, pero optó por la pintura a los 17 años.
Se formo en el. Taller de Filippo Lippi, pero su talento pronto le valió encargos de las mejores familias florentinas, incluidos los Médeci y el papa Sixto IV (frescos de las paredes de la Capilla Sextina)
La concepción de la pintura de Botticelli es más poética que científica o matemática. Su objetivo no era recrear un espacio real, sino trascendente. Sus figuras estizadas proporcionan un profundo lirismo a sus cuadros.
La sensación de irrealidad se acentúa con el uso de flores, la esquematización de los fondos y el empleo de colores delicados y brillantes.
Técnicamente se distingue por la calidad de su dibujo lineal y por su destreza para delimitar los contornos. Su estilo dibuja líneas deliciosas que oscilan como ondas que se desvanecen. Realiza un arte lírico y sensible.
Botticelli fue el primero en retomar los temas mitológicos, aunque de manera idealizada. Destaca en este apartado El nacimiento de Venus: témpera sobre tabla que narra la llegada de Venus a la isla de Citerea, a cuyas costas llegó tras nacer de la espuma marina, según Las Metamorfosis de Ovidio.
También trató temas religiosos, retratos y temas alegóricos (La primavera)
LA ESCULTURA ITALIANA DEL QUATTROCENTO. DONATELLO.
Características fundamentales:
· Rechazo de la ornamentación escultórica en la arquitectura, ya que se considera a la escultura independientes de la arquitectura.
· Interés por el hombre como individuo, se estudia su cuerpo y su expresividad. El hombre es el centro de todo, la medida de todas las cosas. Esta idea desemboca en la idealización. Se admira la belleza formal.
· Marcado naturalismo.
· Se abandona el sentido didáctico, lo que importa es la forma, el arte por el arte, el placer estético.
· Estilo más perfeccionado sobre todo en el tratamiento del cuerpo humano. Gran perfección técnica de trabajo sobre bronce(orfebrería).
· Géneros muy diversos: puertas de bronce y mármol, altares, tumbas, fuentes, púlpitos, y retorno de los monumentos ecuestres, práctica desaparecida desde los romanos.
DONATO DI NICCOLÒ DI BETTO BARDI, DONATELLO (1386-1466)
Aprendió la técnica de la escultura en bronce trabajando a las órdenes de Ghiberti en las puertas del baptisterio de Florencia. Pronto rivalizó con su maestro en esta especialidad. También colaboró con Brunelleschi, con quien fue a Roma a estudiar los monumentos de la Antigüedad clásica.
Fue considerado como el escultor más influyente del primer Renacimiento. Tocó todos los géneros y usó las técnicas más variadas, pero para él el hombre y la expresión fue lo fundamental. Plasmó todos los estados de ánimo y todas las etapas de la vida con completa independencia de los estereotipos tradicionales góticos.
Su escultura David nos presenta, en bronce, un joven héroe desnudo que recuerda los modelos clásicos, especialmente las figuras praxitelianas (podría ser una referencia al origen clásico de Florencia). Es la primera vez, desde la Antigüedad clásica, que un escultor se atreve a crear un desnudo tridimensional de tamaño natural (1,58m); también es la lucha del artista por liberar la escultura del marco arquitectónico y de sus limitaciones.
En 1444 realiza en Padua el grupo ecuestre Gattamelata: un popular condottiero (caudillo) cuya representación se inspira en el retrato ecuestre de Marco Aurelio. Supone la reaparición del retrato ecuestre y la estatuaria urbana.
Con el tiempo, Donatello se fue alejando del clasicismo de sus primeras esculturas para potenciar el dramatismo y el naturalismo. Así, Los milagros de San Antonio, María Magdalena o Judith y Holofernes se destacan por su mayor expresividad psicológica.
