FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES(1746-1828)

Goya supone un fenómeno sorprendente porque surge en el ámbito más decaído del panorama pictórico dominado por el neoclasicismo.

Será un pintor antiacademicista. Mantuvo un estilo propio por lo que resulta difícil de clasificar en alguna de las corrientes artísticas de su época. No se somete a normas y trata los temas de forma libre y original.

A nivel técnico fue capaz de utilizar las soluciones más variadas según el tema o el material: óleo sobre lienzo, tabla, hojalata, pared y también frescos, dibujos, litografías. Apoyándose siempre en el color, la mancha, no en el dibujo (=desintegración de la forma).

Tanto la técnica como la composición varian según los temas, que también son muy diversos:

·         En la primera época efectua cartones para tapices. Representa escenas y juegos populares. Es costumbrista con un marcado sabor castizo. La composición es ordenada y armoniosa. Los colores cálidos y vivos. Armonía cromática y compositiva.

·         En los retratos interpreta  y capta la psicología del personaje, sin idealismos. Atiende a los detalles de forma general  y anota las calidades. Pincelada corta y centelleante.

·         Los temas de crítica social o de la condición humana los trata en grabados y dibujos.

·         Los temas históricos están llenos de acción y movimiento, con composiciones complicadas. Refleja el dolor, la crueldad y la barbarie de las guerras. Pinceladas amplias. Prescinde del dibujo.

·         El tema religioso lo trata con diferentes técnicas y enfoques:

-es academicista en el “Cristo en la cruz”

-ofrece una visión popular en los frescos de s. Antonio de la Florida

-el sentimiento religioso y espiritual en “La última comunión de s.José de Calasanz”.

·         El mundo de su propio interior desolado y alucinante aparece en las pinturas negras, donde dominan negros y grises y un marcado expresionismo.

EVOLUCIÓN Y OBRAS.

Nació en Fuendetodos (Zaragoza) y sus primeros años de formación transcurrieron en Zaragoza.Optó a los premios de la Academia de s. Fernando pero fue rechazado.Viajó a Italia con sus propios recursos y allí aprendió la técnica del fresco. En 1771 pinta una bóveda para la basílica del Pilar de Zaragoza.

En 1775 se traslada a Madrid donde contrae matrimonio con la hermana de Fco. Bayeu, pintor de Cámara. De aquí obtuvo el acceso a los talleres reales, donde trabajó como cartonista de tapices. En este trabajo mostrarà un estilo propio, superior al de sus colegas y superiores. Frente al convencionalismo académico, Goya trata los temas populares con gracia, colorido, resaltando lo castizo dentro de composiciones ordenadas, amables. Los colores son vivos y fogosos. Destacan: El cacharrero, La vendimia, La gallina ciega, Las cuatro estaciones.

Su trabajo tiene éxito. Es conocido por los reyes y accede a Palacio, lo que le permite conocer las obras reales, en especial Velázquez.

La Academia de s. Fernando, que antes desestimara su arte, en 1780 le cede un puesto de académico y para la recepción pinta El Crucifijo , inspirado en el de Velázquez.

Entre 1782 -1792 conoce su etapa feliz. Trabaja en la Corte. Conoce a los nobles y gana su simpatía y encargos, retrata todo el mundo privilegiado. Pero en los retratos de esta época desdenya el retrato de aparato,anecdótico, minucioso,  donde lo accesorio acapara todo el interés. A Goya le preocupa la expresión psicológica, la profundidad del alma, aunque igualmente logra deslumbradoras calidades en las telas.

Retrata a la familia del duque de Osuna, la marquesa de Pontejos, el conde Fernan-Núñez, la duquesa de Osuna, la duquesa de Alba...

Este período culmina cuando en 1789, Carlos IV le nombra pintor de Cámara, iniciándose la espléndida serie de retratos de la familia real.

Primera crisis.

En 1793 Goya enferma de gravedad y como consecuencia quedaría sordo. Sui caràcter cambia, no encaja la situación  y protesta contra la desgracia. Solo tiene contacto con el mundo a través de la vista y eso le llena de malhumor y se vuelve desconfiado. Se fija ahora en el espíritu de los hombres. El grabado será un medio muy adecuado para hacerlo, es un desahogo de los males. De 1793 a 1796 crea la serie de grabados Los Caprichos: la ironía, la crítica social , la brujería, son sus temas.

También hace pequeños cuadros donde refleja la realidad española más repulsiva: El entierro de la sardina, El Tribunal de la Inquisición, los Disciplinantes, una Corrida de toros y una Casa de locos.

El retrato alcanza ahora su gran madurez: la duquesa de Alba, la condesa de Chinchón, Moratín, Jovellanos, La maja vestida y la Maja desnuda.

En 1789 decora la bóveda de s. Antonio de la Florida: tema religioso de forma popular y realista.

En 1799 será nombrado primer pintor de Cámara. Retrata sin descanso la familia real. Se distinguen los retratos ecuestres de los reyes y el gran cuadro de toda la familia : La familia de CarlosIV: refleja la monarquía absoluta ilustrada ya en decadencia desde 1789. Hay que destacar la captación psicológica de los personajes, así como la muestra de las cualidades coloristas del pintor y su capacidad para captar las calidades.

La segunda crisis.

En el apogeo de su actividad artística, Goya se ve sorprendido por la invasión francesa de 1808. Goya se encuentra ante un grave dilema: defender su patria o aceptar las ideas libertarias y revolucionarias francesas. No obstante, lo que más impresionó al pintor fueron los horrores, las tragedias, desatres y desdichas. Esto aparece en las escenas de los dibujos Los horrores de la guerra.

Pasado el conflicto, en 1814 pintó el Dos de mayo y Los fusilamientos. Los dos son de gran modernidad: aparece la sangre roja recién vertida y la exaltación y ferocidad de sentimientos.

Tras la guerra y con el regreso de Fernando VII, Goya vuelve a ser pintor de Cámara, pero no simpatiza con el absolutismo del monarca. En sus retratos del rey deja entrever la escasa inteligencia de Fernando VII, utilizando un implacable realismo.

Compone dos temas religiosos con gran dramatismo y honda espiritualidad Oración en el huerto y La última comunión de s. José de Calasanz.

También La majas del balcón.

Desde 1815 inmortaliza la fiesta de los toros en la serie de grabados la Tauromaquía.

Pero la inclinación a lo macabro le domina. Es el período de las pinturas negras (1815-24) con las que decora la Quinta del sordo, su casa. Pinturas tenebrosas de tonos blancos, negros y grises para temas trágicos y sangrientos y misteriosos. Brujas, hechiceras, viejas y desdentadas, la fealdad hecha arte. Es lo macabro en franca ruptura con el pasado. (Expresionismo)

En la serie de grabados la Disparates aparece lo monstruoso y deforme, seres a medio construir o con varias caras, de imposible realidad.(Suprarrealismo). De esta época es Saturno devorando a sus hijos.

Hastiado y abandonado pasa a Francia, se instala en Burddeos. Allí utiliza la técnica de la litografía.

En 1828 moría. Su desaparición pasó inadvertida. Poco después, su pintura seria buscada ávidamente. Había puesto los cimientos de la pintura contemporánea.

Su genialidad hace que su obra sea difícil de catalogar.Está por encima de las clasificaciones y anuncia movimientos artísticos venideros:

-prerromántico por la pasión por los personajes y acciones

-realismo por la mirada a las clases humildes

-impresionista por la pincelada suelta, sin línea

-expresionista por los estados exasperados, sin atender a la forma.

PINTURA NEOCLÀSSICA. Jacques Louis David

El Juramento de los Horacios (en francés Le Serment des Horaces) es una obra de Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolución Francesa. El cuadro tiene una dimensión de 330 x 425 cm y se conserva en el Museo del Louvre. Se le considera el paradigma de la pintura neoclásica.
En él se representa el «saludo romano», con el brazo extendido y la palma hacia abajo. El tema de la pintura tiene una perspectiva extrema patriótica y neoclásica; más tarde se convirtió en modelo a seguir por futuros pintores. Aumentó la fama de su autor, y le permitió mantener a sus propios estudiantes.
El rey le hizo el encargo de la obra el Juramento de los Horacios, con la intención de que fuera una alegoría sobre la lealtad al estado y, por lo tanto, al monarca. A medida que se acercaba la Revolución francesa, iban aumentando las pinturas que hacían referencia a la lealtad hacia el estado más que a la familia o a la iglesia. Aunque este cuadro estuvo realizado casi cinco años antes de la Revolución, el Juramento de los Horacios, se convirtió en una de las imágenes representativas de la época.

El tema de la obra es el cumplimiento del deber por encima de cualquier sentimiento personal. Representa a los Horacios romanos quienes, según el Horacio de Pierre Corneille y Tito Livio en Ab Urbe condita libri eran unos trillizos masculinos destinados a la guerra contra los Curiacios, también trillizos masculinos, para resolver la disputa entre los romanos y la ciudad de Alba Longa.
La historia se toma de Livio. Estamos en la época de guerras entre Roma y Alba, en 669 a. C. se ha decidido que la disputa entre las dos ciudades debe resolverse mediante una forma de combate inusual por dos grupos de tres campeones cada uno. Los dos grupos son los tres hermanos Horacio y los tres Curiacios. El drama radica en el hecho de que una de las hermanas de los Curiacios, Sabina, está casada con uno de los Horacios, mientras que una de las hermanas de los Horacios, Camila, está prometida a uno de los Curiacios. A pesar de los lazos entre las dos familias, el padre Horacio exhorta a sus hijos a luchar contra los Curiacios, y ellos obedecen, a pesar de los lamentos de las mujeres.
David se inspira directamente de la obra Horacio de Pierre Corneille. En la obra de teatro Horacio, publicada en el año 1640, la acción se sitúa en los orígenes de Roma: empieza con una situación de paz y felicidad: la familia romana de los Horacios se encuentra unida a la familia de la ciudad vecina de Alba Longa de los Curiacios. El joven Horacio está casado con Sabina, joven albanesa, que tiene un hermano Curiacio que es el novio de Camila, hermana de Horacio. Pero se declara la guerra entre las dos ciudades. Para terminarla, cada una de las dos ciudades designa tres campeones, que lucharán para decidir la suerte de las dos ciudades. El destino hace que los tres escogidos por Roma sean los hermanos Horacios y los de Alba Longa sean los tres hermanos Curiacios.Los que hasta entonces eran amigos se encuentran así cara a cara, provocando una serie de conflictos de conciencia que habrán de resolverse de diferentes maneras: mientras Horacio sobrepone el deber patriótico, Curiacio lamenta la crueldad de su destino.
En la lucha, Horacio vence después de la muerte de sus dos hermanos y da muerte a los tres Curiacios. De regreso a Roma, recibe los elogios de todos, menos de su hermana Camila, que le reprocha amargamente la muerte de su amado. Horacio mata a su hermana, acusándola de falta de patriotismo, por este hecho es llevado ante los jueces.
El proceso permitirá que el viejo Horacio, haga una encendida defensa del honor frente al amor, Horacio será declarado inocente, a pesar de la acusación de su amigo Valerio, quien también amaba a Camila.

Personajes de la obra pictórica.
-Padre Horacio
Es el personaje central y el que realiza la acción principal, tomando juramento a sus hijos, mientras sostiene las tres espadas con sus manos, obligándolos al cumplimiento del deber con la patria. No muestra ninguna emoción.
-Tres hermanos Horacios
En la pintura los tres hermanos se sitúan a la izquierda, expresan su lealtad y solidaridad con Roma antes de la batalla, totalmente apoyados por su padre. Son hombres deseosos de entregar sus vidas por deber patriótico. En esta sociedad patriarcal, los hombres de acero, de resuelta mirada y miembros tensos, son la ciudadela del patriotismo republicano. Eran símbolos de las más altas virtudes de la República; las mujeres, de más tierno corazón, se quedan en casa llorando y están satisfechas con esperar.
-Camila Horacio
Su desesperación está explicada en parte por el hecho de que es hermana de los Horacios, viste una toga blanca que demuestra los conocimientos arqueológicos de David; es una Horacio prometida con un Curiacio.
-Sabina Curiacio
Sabina, vestida de marrón, es una Curiacio que está casada con uno de los Horacios, por lo que llora por su esposo y su hermano.
-Hijos de Sabina y aya
La mujer vestida de negro al fondo sostiene dos niños de uno de los esposos Horacio y la esposa Curiacio. La hija menor oculta su rostro en el vestido de su aya mientras que el hijo rechaza que le tapen los ojos.

Técnica.
El neoclasicismo es un período artístico que se desarrolló durante los siglos XVIII y XIX, y tuvo una especial importancia en Francia y en el norte de Europa. Había nacido como producto de la insatisfacción, por las tradiciones artísticas, que sentían los artistas y escritores; este movimiento hizo renacer los ideales y el gusto por las obras de los antiguos. En su realización se usaban formas y colores sencillos y se rechazaban los colores brillantes habituales en las épocas precedentes del barroco y del rococó, usándose como modelos las antigüedades griegas y romanas.
Este cuadro muestra el estilo artístico neoclásico, y emplea varias técnicas que son típicas de él:
• El paisaje o fondo no está muy resaltado, mientras que las figuras en primer plano están remarcadas para acentuar su importancia.
• El uso de colores apagados muestra la importancia de la historia detrás de la pintura sobre el cuadro en sí.
• El cuadro está claramente organizado, mostrando el simbolismo del número tres y del propio momento, estructurándose geométricamente.
• El foco sobre detalles claros y duros y la ausencia de uso de los golpes de pincel, predilectos del arte Rococó.
• Las pinceladas son invisibles, para mostrar que el cuadro es más importante que el artista.
• La calidad gélida del cuadro también pretende mostrar racionabilidad, a diferencia del estilo Rococó.
• La única emoción que se muestra es la de las mujeres, a las que se permitía sentir, mientras que los hombres tenían que cumplir con el deber.
• El hecho de que también representa una historia moralmente compleja o perturbadora lleva a que se clasifique como una obra de arte neoclásica.
• Predominio del dibujo sobre el color.
Composición
Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.
El espacio se vuelve teatral gracias al uso de la luz, hecho que recuerda a Caravaggio, y que procede de la parte izquierda del cuadro. Al ritual del juramento de las espadas se puede observan una gran tensión, y también la energía de las figuras masculinas, que contrastan con el desconsuelo más pasivo del grupo de figuras femeninas que dentro de la composición, con sus cabezas juntas, forman una pirámide. Es de resaltar las líneas compositivas rectas y firmes para los hombres y curvadas para la representación de las mujeres. La figura del fondo que está con los niños, es el punto que refleja un tipo de sentimiento propio de la época.
El fondo del cuadro está dividido en tres partes gracias a la inclusión de tres arcos; cada uno de ellos sirven de marco para los personajes, con dos grupos en los arcos laterales y un personaje principal más destacado en el central. Esta composición narrativa ya había estado empleada por Giotto y el Perugino en los frescos de Santa María Magdalena, en Florencia.
La perspectiva se centra en las manos de la figura central del padre, que además, realiza la acción principal en el juramento de sus hijos, que es el sostenimiento de las espadas. La oposición de líneas se encuentra entre la verticalidad de las columnas que forman los arcos y las horizontales de las baldosas del pavimento, siguiendo estas líneas se encuentra el punto de fuga de la composición: la mano del padre que sostiene las tres espadas.
De los tres hermanos el que está colocado en primer plano, es, sin duda, el que atrae la mirada del espectador, la leyenda cuenta que sólo uno de los tres Horacios salió victorioso, mientras que los otros extienden las manos en dirección hacia su padre y las espadas, formando la línea de horizonte, su brazo es derecho y firme, la fuerza representada por su brazo es la de su firme compromiso con la patria. El detalle más revelador reside en la alineación de su mirada con el punto de fuga junto con la también mirada de su padre y a la vez forman parte de la línea del horizonte. En esta línea el punto central se encuentra en la unión de las manos del padre sosteniendo el símbolo de las espadas.

Recepción
El cuadro fue un encargo del rey en 1784. Se expuso por primera vez en el estudio del pintor en Roma durante el año 1785, sacerdotes, cardenales, príncipes y princesas acudieron a ver el increíble trabajo de David, creándose poemas laudatorios del cuadro, incluso el Papa quería ver El Juramento. David quiso exponer la pintura en el Salón, pero llegó tarde y los académicos opuestos a David la colocaron en un mal lugar. Finalmente, las quejas públicas hicieron necesario trasladar este cuadro a una mejor posición.
A causa de la lectura que se desprendía de la pintura, la obra fue considerada una declaración política, e incluso, para algunos como una invitación para el levantamiento en armas, a pesar de ser una opinión bien discutible. Años más tarde, a partir de 1790, David, se integró más activamente en la actividad revolucionaria, y actuó como un artista al servicio de la propaganda de la Revolución; este mismo año se le encargó que pintara el Juramento del Juego de Pelota, obra que dejó incompleta. En 1794, después de haber estado elegido miembro de La Convención, fue detenido y encarcelado. Mas tarde, se hizo adepto de Napoleón, y vivió un gran período en el que disfrutó de fama artística y política, período que terminó con la caída del emperador.

Influencia
Tuvo una gran cantidad de discípulos, la mayoría de los cuales se incorporaron a los estilos del realismo y sobre todo, del romanticismo. Sin duda, Ingres, alumno de David desde muy joven, fue un seguidor de las enseñanzas del maestro; un ejemplo de la influencia de David se aprecia claramente en la Ilíada, una pintura de los comienzos de la carrera de Ingres, y que es la composición más parecida a la obra de David.
El Juramento de los Horacios también sirvió de inspiración al compositor italiano Bernardo Porta, (1758-1829), amigo del pintor, que en el año 1800 escribió la ópera Los Horacios, con texto de la obra Horacio del año 1640 del dramaturgo francés Pierre Corneille. En esta ópera, hay una escena donde se rinde homenaje al cuadro de David. Como anécdota, en el estreno de la obra asistió el primer cónsul Napoleón Bonaparte, que sufrió una tentativa de complot de asesinato; que se conoce como conspiración de los "poignards".

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PINTURA NEOCLÀSSICA. Jacques Louis David

La muerte de Marat. Jacques Louis David. Óleo sobre lienzo. 1793.

David hace gala en este lienzo de su devoción por el amigo Marat y de su magnífico arte, recurriendo a los mínimos elementos para realizar una pintura altamente evocadora.

Marat era amigo de David, colega de Robespierre y uno de los más furibundos defensores del patriotismo. Se le acusó de demagogo y de intransigente. Sin embargo, su papel en la constitución del gobierno de la república fue determinante, al tiempo que dirigía el periódico "L'Ami du Peuple". Marat fue asesinado el año dos de la república, es decir, en 1793. El reino del terror ya había comenzado, tras crearse el sanguinario Comité de Seguridad Pública. En este ambiente Marat fue asesinado por una monárquica de la región de Caen. Marat padecía una enfermedad de la piel que le obligaba a pasar largo tiempo sumergido en un baño terapéutico. Allí había instalado su pequeña oficina e incluso recibía a personajes. Charlotte Corday pidió que la recibiera argumentando una terrible desgracia para la república. Una vez ante el político, Charlotte le apuñaló. David pinta a Marat en el momento de la muerte, apenas ha sangrado aún. El brazo con el que estaba escribiendo ha caído pesadamente al suelo y la cabeza se desplaza hacia atrás. Los labios entreabiertos expiran el último suspiro mientras su rostro pasa suavemente del dolor a la paz. En la mano sostiene aún el papel con el que Charlotte se introdujo en su apartamento. Allí se puede leer: "13 de Julio de 1793". De Marie Anne Charlotte Corday al ciudadano Marat: la terrible desgracia que tengo me da derecho a pedir vuestra amabilidad..." En oposición a este papelito traicionero, en la mesa improvisada en un cajón se puede leer el último despacho que había resuelto Marat: "dispondréis esta asignación para esa madre de cinco hijos cuyo marido murió en defensa de la patria..." La disposición de los elementos es tan sobria como la de un cuadro religioso. Toda la estructura se basa en verticales y horizontales. En el suelo se ve el puñal caído. La mitad superior del cuadro está completamente vacía, transmite un agobiante silencio y frío. Una sombra clara asciende en diagonal evocando la huida de la vida del cuerpo agonizante.

LA LLOTJA DE LA SEDA

La Llotja de la Seda, Llotja de València o Llotja de Mercaders és un edifici civil d'estil gòtic valencià tardà de la ciutat de València, construït entre el 1482 i el 1548. Si hi ha un edifici que simbolitze la puixança i la riquesa del segle d'or valencià (segle XV), aquest és sens dubte la Llotja. És una mostra de l'abast de la revolució comercial durant la Baixa Edat Mitjana, del desenvolupament social i del prestigi aconseguit per la burgesia valenciana. La construcció de la Llotja, popularment anomenada llonja, al País Valencià i les Balears, s'ha interpretat com el resultat de la prosperitat comercial aconseguida per València en el segle XV, com un símbol del poder de la ciutat per atraure els comerciants, en un moment en què ja s'albiraven temps difícils per l'economia local derivats del descobriment d'Amèrica i el consegüent desplaçament del comerç de la Mediterrània cap a l'Atlàntic.

Les llotges de comerç a la Corona d'Aragó es construïen seguint el mateix esquema: una sala de planta rectangular sostinguda per columnes. La de València fou precedida per la Llotja de Barcelona (1380-1392), la Llotja de Palma (1420-1448) i algun exemple sicilià no massa conegut. Entre 1541 i 1551 s'alçà la Llotja de Saragossa del mateix tipus, però ja d'estil renaixentista. Considerant que l'esquema arquitectònic era sempre el mateix, els jurats de València van insistir en la bellesa de l'edifici. Superar la llotja de Barcelona no era difícil, per tant com les solucions arquitectòniques d'aquella havien quedat antiquades pels mestres picapedrers de la darreria del segle XV. El que era un repte era superar l'esplèndida llotja de Mallorca de Guillem Sagrera, un dels grans mestres de l'arquitectura gòtica mediterrània. Inspirar-s'hi i alhora superar-la va ser la genial tasca de Pere Comte.

La Llotja és, tot plegat, el resum de les investigacions arquitectòniques realitzades, principalment per Pere Comte, al llarg del segle d'or valencià.

·        Patrimoni de la Humanitat

Monument Nacional des de 1931, la UNESCO declarà la Llotja de la Seda Patrimoni de la Humanitat el 5 de desembre de 1996^[5] com a exemple totalment excepcional d'un edifici secular en estil gòtic tardà, que il·lustra de manera esplèndida el poder i la riquesa d'una de les grans ciutats mercantils de la Mediterrània, sent considerada com un dels més brillants exemples del gòtic civil europeu. Les façanes rectangulars de pedra picada, els sumptuosos medallons renaixentistes, les artístiques escultures i gàrgoles, les perfectes proporcions de les portes i finestres, dels escuts i dels merlets, recorden l'esplendor del gòtic tardà valencià. Se situa al mateix cor de la ciutat (barri del Mercat), davant la plaça del Mercat, qualificada per nombrosos cronistes com un escenari colorista i sorollós dotat d'una sensualitat molt especial

·        Casa il·lustre per al bon comerç

En només quinze anys (1483-1498), Pere Comte i els seus ajudants foren capaços d'acabar la Sala de Contractació, cos principal de l'edifici. Així consta en una franja blava que corre a la part més alta dels quatre murs, a tocar de les voltes de l'esmentada sala, i que proclama en lletres daurades sobre un fons fosc la següent inscripció en llatí (per duplicat, una primera vegada sobre els murs sud i oest, i una segona sobre els del nord i l'est):

Inclita domus sum annis aedificata quindecim. Gustate et videte concives quoniam bona est negotiatio, quae non agit dolum in lingua, quae jurat proximo et non deficit, quae pecuniam non dedit ad usuram eius. Mercator sic agens divitiis redundabit, et tandem vita fructur aeterna.

Sóc una mansió il·lustre, construïda en quinze anys. Tasteu i vegeu, conciutadans, car bona és la negociació que no duu engany en la llengua, que jura al proïsme i no falta al jurament, que no deixa diners en usura. El comerciant que així actue abundarà en riqueses, i a la fi gaudirà de la vida eterna.

El Segle d'or valencià fou una etapa de gran desenvolupament econòmic i de gran influència política i cultural. Es va crear la Taula de Canvis i Depòsits, una banca municipal en suport de les operacions comercials. La indústria local, especialment la tèxtil, assolí un gran desenvolupament, i la ciutat es va convertir en un empori comercial al qual acudien mercaders de totes les parts d'Europa. A les acaballes d'aquest segle es va construir la Llotja de la Seda, centre de transaccions i un vertader temple del comerç, i Lluís de Santàngel, banquer valencià d'origen jueu, va sufragar el viatge a Amèrica de Cristòfor Colom.

·        Filla del Segle d'Or (Context)

Després d'alguns anys d'inestabilitat derivats del període de successió en què la dinastia del Casal de Barcelona va ser substituïda per la castellana dels Trastàmara, al llarg del segle XV, la ciutat llueix amb tota la seua esplendor. El Cap i Casal del Regne de València se situa com la capital cultural i econòmica de la Corona d'Aragó, i esdevé una de les ciutats més importants d'Europa en aquest segle. La llotja és un símbol de la puixança i riquesa del Segle d'Or de la Ciutat i Regne de València.

Pel que fa a la influència política, ja des de final del segle XIV el pes de València a la Corona d'Aragó es fa cada vegada més gran amb personatges com ara Sant Vicent Ferrer i encara més al llarg del segle XV, fins al punt que les dues úniques vegades que un bisbe hispànic va arribar a papa fou amb dos bisbes valencians: Calixt III i el seu nebot Alexandre VI, naturals de Xàtiva i pertanyents a la família Borja.

Quant a l'àmbit artístic i cultural, a banda de la Llotja, s'alçaren les Torres de Quart, la capella dels Reis del convent de Sant Doménec, l'altar major de la (Seu de València), o el Palau de la Generalitat. En pintura i escultura van reeixir Joan Reixach (Jacomart), Roderic d'Osona, Paolo de San Leocadio, Vicent Macip o Damià Forment, entre altres, i en literatura Ausiàs March, Roïç de Corella, Jaume Roig, Isabel de Villena o Joanot Martorell, autor del Tirant lo Blanc. Conseqüència d'aquest auge cultural, València va albergar la segona impremta de la Península, on el mestre impressor Lambert Palmart imprimí el primer llibre literari a Espanya el 1474, «Les Trobes en lahors de la Verge Maria». Aparegué també el primer diccionari en llengua romànica: Liber Elegantiarum, així com el primer estudi sobre escacs. El 1499, a més, fou creada la Universitat de València.

La Llotja de l'Oli

Vora l'actual plaça de la Companyia, darrere de l'actual llotja, n'existia una d'anterior que, segons Sanchis Guarner, està documentada des d'abans del 1341 i rebia el nom de Llotja de l'Oli. Aquesta llotja, segons el mateix autor, era parcialment oberta, és a dir, responia a la tipologia de loggia italiana (edifici obert per un o més costats, sustentat per arcs o columnes). La Llotja de l'Oli no només s'emprava per al comerç d'aquest producte, sinó per tot tipus d'operacions mercantils.

·        Inici de les obres

La prosperitat mercantil assolida per la ciutat de València durant el segle XV motivà que el 1469 els Jurats del Consell Municipal decidiren bastir una nova llotja:

«	Molt bella e magnífica e sumptuosa, que sia honor e ornament d'aquesta insigne Ciutat, e los mercaders de la qual e altres havents voluntat de comerciar, tinguen afectió per exercitar-ne en l'art mercantívol e fer naus, de què en resultarà grandíssim benefici	»

Per bastir la nova llotja es compraren i enderrocaren vint-i-cinc cases pròximes al mercat. L'encarregat de la construcció, que seria en pedra calcària, fou el prestigiós mestre pedrapiquer gironí Pere Comte, ajudat pel guipuscoà Joan Ivarra. Tanmateix, la primera pedra no es col·locà fins al 1482, i les obres, costejades per la ciutat, no s'iniciaren fins al 1483, com sabem gràcies a la inscripció que hi ha a l'escut de la ciutat i que es troba al cantó dels carrers de Pere Comte i de la Llotja.

Les obres havien començat amb els enderrocaments de les cases, l'adequació del vall i les entregues de materials al mestre d'obra de vila Francesc Biulaygua, dels que tenim constància des del 16 de gener de 1483 i d'entrega de pedres pels pedrapiquers el 15 de febrer. El començament oficial de les obres pot considerar-se el 5 de febrer de 1483, i el 14 de març es paguen els primers jornals a Pere Comte i a Joan Yvarra pro salarium eorum et Sue comitive. Al juny de 1483 es decideix pagar ... no a estalls sinó a jornals. En aquesta mateixa data es decideix que el portal principal ... sia principiat a llavorar e les finestres que ab aquell seran contigües e tot el restant de l'enfront sia fet de pedra picada ab artificiós magisteri llavorada ab les imatges e maçoneries e fullatges. A partir d'aquest moment van haver de començar els treballs de picapedreria. L'octubre de 1483 el mestre d'obra de vila Biulaygua acaba els seus treballs en el vall i desapareix de la documentació

·        Elements que la componen

L'edifici s'adapta a un solar rectangular. Al sud mira cap a la plaça del Mercat, a l'oest cap al carrer dels Cordellats, al nord cap al carrer de la Llotja, i al l'est cap al carrer de Pere Comte. Davant mateix es troben el Mercat Central i l'església de Sant Joan del Mercat.

Vista des de la plaça del Mercat, la part dreta de l'edifici correspon a la llotja pròpiament dita, també coneguda com la Sala de Contractació o el Saló Columnari (1483-1498); a la seua esquerra s'alça la torre central (1483-1498), de tres cossos, emprats per capella (el cos de baix) i presó (els dos de dalt). Encara més a l'esquerra hi ha el cos de tres plantes del Consolat de Mar, que s'hi afegí posteriorment (1498-1548). El Pati dels Tarongers articula les tres zones de l'edifici, que ocupen més de dos-mil metres quadrats en total^]

Per bastir la llotja, Pere Comte s'inspirà en la llotja de Palma, feta per Guillem Sagrera el 1448, el qual, al seu torn, s'havia inspirat probablement en l'aula capitular del convent de Sant Domingo de València, de començament del segle XIV.

La llotja de València, però, presenta una mida i una ornamentació més gran que la mallorquina. La de València destaca per la riquesa de la decoració flamígera a les finestres, per les portes monumentals amb arcs conopials i per les petites escultures i les 28 gàrgoles, sovint amb escenes satíriques o obscenes. A més, hi ha profusió d'escuts amb els quatre pals del Rei d'Aragó, entre els quals destaquen el de la clau de volta central de la Sala de Contractació i, sobretot, els que es troben als cantons de les places del Mercat i del Doctor Collado, envoltats d'àngels.

ü  Sala de Contractació o Saló Columnari

La Sala de Contractació, realitzada entre 1483 i 1498, es divideix en tres naus longitudinals (de 35,6 m de fons) i cinc naus transversals (de 21,4 m d'ample), amb volta de creueria (a una alçada de 17,4 m)^[15] sostinguda per huit columnes helicoïdals i setze pilastres del mateix tipus que sustenten les voltes. De les columnes helicoïdals, d'11 metres d'alçària, ixen feixos de nervis que s'estenen sobre trams quadrats a la mateixa alçada i són quasi voltes bufades (esfèriques). Aquesta geometria esfèrica permet la multiplicació de nervis i de claus; els nervis formen una doble retícula per tram reforçada amb nervis diagonals en cada quadrat. Les claus arriben al nombre de nou per tram.

A la Sala de Contractació s'accedeix per unes portades formades per arcs conopials disposats entre estirats pinacles, tant a la façana principal (plaça del Mercat) com a la posterior (carrer de la Llotja). Aquests portals es formen amb feixos d'esveltes canyes prismàtiques rematades per agulles florides. Així mateix, hi ha dues portades laterals més, una que obri al carrer de Pere Comte i una altra al Pati dels Tarongers. Les façanes estan rematades amb merlets.

En tant que centre mercantil ciutadà, el Consell de la Ciutat decidí instal·lar al Saló Columnari la Taula de Canvis i Dipòsits, entitat bancària de prestigi per la seua solvència i pel volum de les operacions bancàries. Alguns han volgut veure en aquest edifici, concebut com a temple al comerç, un caràcter simbòlic, una representació del paradís, on les columnes i els feixos de nervis serien els arbres -les palmeres- i la volta la cúpula celest, que ara es mostra com a pedra nua, però que originalment estava pintada de blau amb estreles daurades.

ü  La torre inacabada: presó i capella

La torre de la Llotja, construïda a la vegada que la Sala de Contractació (1483-1498) és quadrangular i, més o menys, un terç més alta que la resta de l'edifici. El restaurador Josep Aixa li afegí els merlets que hui dia presenta, entre 1885 i 1902 inspirant-se en les cobertes emmerletades de la Sala de Contractació i del Consolat de Mar.

Des del Saló Columnari hi ha una escala de caragol per accedir a la torre. Per falta de condicionament aquesta no es pot visitar, com tampoc l'escala, que és un treball de virtuosisme de Pere Comte, que demostrà el seu domini de les tècniques arquitectòniques. Aquesta esplèndida escala està formada per un caragol d'ull obert amb l'helicoide arestós, on el moviment de la pedra pareix conformar una arquitectura de fum. Aquesta escala, per la qual s'accedeix a les sales superiors de la torre, comptava originalment amb 110 graons, però en la restauració duta a terme entre per l'escultor Josep Aixa i l'arquitecte Antoni Ferrer^[16] se li n'afegiren 32, car es considerava que la torre havia quedat inacabada. L'escala que puja a la torre fa un total de quasi 26 metres d'alçària, per tal com compta amb 142 graons d'una mida de 18 centímetres d'alt. Els pisos de dalt de la torre es destinaven a presó per mercaders morosos en els seus pagaments.La planta baixa de l'edifici era la capella (1484-1486), atribuïda a Juan Guas, la qual compta amb una volta de creueria estrelada ben original. Joan de Còrdova va cobrar 15 lliures al maig de 1484 en paga de les obres faedores en la capella de la llògia.^[16] El disseny d'aquesta volta de creueria de la capella, inèdit fins llavors a València, fa pensar que aquest Joan era Juan Guas, mestre d'obres del rei Ferran el Catòlic, per tal com havia emprat el mateix disseny en un edifici de Segòvia,^[3] que sí que es pot visitar. Aquesta volta consta de huit petites claus amb escuts de la ciutat i àngels músics alternant-se i envoltant una imatge de la Mare de Déu de la Misericòrdia, que es troba a la clau de volta central. El 1465 s'havien agrupat sota l'advocació d'aquesta Mare de Déu la confraria dels fabricants de seda.

ü  El Pati dels Tarongers

Un altre dels elements de la Llotja és el seu jardí, l'anomenat Pati dels Tarongers, al qual s'hi accedeix a través de la porta ponentina de la Sala de Contractació, plena de detalls escultòrics sorprenents. És un espai tranquil i relaxant que compta amb diversos tarongers i xiprers i amb un safareig en forma d'estrela de huit puntes, que evoca el que hi havia anteriorment. Al seu voltant, hi ha uns bancs de pedra per descansar mentre s'observen les satíriques gàrgoles, els detalls de la façana ponentina de la Sala de Contractació i els de la del Consolat de Mar, al qual s'accedeix des del mateix pati a través d'una ampla escala de pedra a l'aire lliure. Segons Joan Fuster, en aquest patiet se celebraven saraus i cerimònies quan venien els reis de la dinastia dels Àustries

ü  El Consolat de Mar

A l'esquerra del pati dels Tarongers es troba el Consolat de Mar, institució creada el 1283 on els jutges o els cònsols de comerç celebraven sessions sobre assumptes marítims i mercantils. Començat per Pere Comte, représ a la mort d'aquell el 1506 per Joan Corbera i finalitzat el 1548 pel guipuscoà Domingo Urtiaga, aquest consolat és de planta rectangular i d'estil renaixentista i fou literalment adossat al costat ponentí de la llotja original. Segons Sanchis Guarner, el Consolat, amb una profusa i graciosa decoració bastant italianitzada, conviu en feliç maridatge amb la gòtica Sala de Contractació.^[18]

A la primera planta, on es troba la Cambra Daurada, s'hi accedeix a través d'una escala monumental de carreus des del pati dels Tarongers. Aquesta cambra està ornamentada per un sostre gòtic -fet pel mestre d'obra de vila Joan del Poyo (1418-1428)- rescatat de l'antiga Casa de la Ciutat en ser aquesta enderrocada durant el segle XIX. Fou encaixat de manera molt satisfactòria a la Cambra Daurada cap a l'any 1921. Aquest sostre, de fusta policromada i de tal fama que vingué el mateix Alfons el Magnànim a inaugurar-lo, té centenars de peces de caràcter zodiacal, bèl·lic, grotesc, quimèric, vegetal, musical i heràldic, com ara l'escut de la ciutat de València (el cairó amb els quatre pals) que es repeteix desenes de vegades.

Més interessant encara és el fris exterior de finestres conopials de la part superior del Consolat, amb quaranta medallons de pedra que representen reis, emperadors i altres personatges de prestigi. Ací es veuen les influències renaixentistes del Consolat de Mar, concebut com un temple de la fama, idea que es remunta l'Antiguitat clàssica i que es reprén amb el Renaixement.^[15]

·        Escultura

La Llotja reuneix una esplèndida col·lecció d'escultura medieval. Impostes, sanefes, capitells, àngels sostenidors o gàrgoles van ser llavorades per escultors de molt distinta procedència, com ara Laurencius de la Picardia i Rolandus i Johan de Kassel (Alemanya), entre altres.^[

·        Sàtira i obscenitat

Els detalls escultòrics de la Llotja de la Seda, presents a les portes, finestres i gàrgoles de l'edifici, són extraordinàriament deliciosos i plens de bon humor. Hi abunden les escenes satíriques i les obscenes, com es pot observar a les imatges de més avall.

·        Heràldica

Dins la gran varietat temàtica de l'escultura de la Llotja cal destacar les representacions heràldiques del símbol reial de la Corona d'Aragó, i de la Ciutat i Regne de València, ço és, el senyal conegut tradicionalment com les quatre barres.^[21]

L'escut més bell i conegut és el que presenta un escut reial portat per dos àngels i situat al cantó entre la plaça del Mercat i el carrer de Pere Comte.

El segon escut més conegut és un de la ciutat al cantó entre els carrers de la Llotja i de Pere Comte (plaça del Doctor Collado), que mostra, a més, una inscripció amb l'inici de les obres (1483), on diu:

«

La noble ciutat i leal de Valencia ab cor [voluntat] de acabar la mia excellencia me ha començat a cinch de Febrer del any que corrent se comta en ver MCCCCLXXXIII [1483]

»

·        La plaça del Mercat

Plànol de situació de la plaça del Mercat

Segons Joan Francesc Mira, el pla o la plaça del Mercat de València, format per la Llotja de la Seda, el Mercat Central i Sant Joan del Mercat, "és un dels òrgans essencials del cos d'aquesta ciutat". El gironí Pere Comte construí la llotja gòtica a la darreria del segle XV; els llombards Jacobo Bertessi (de Cremona) i Antonio Aliprandi (de Milà) afegiren el recobriment barroc a Sant Joan del Mercat al final del XVIII; i els arquitectes barcelonins Alexandre Soler i March i Francesc Guàrdia i Vial bastiren el modernista Mercat Central al començament del XX. Joan Francesc Mira diu d'aquest conjunt tan aparentment heterogeni que "no se sap com, els tres edificis fan l'efecte de ser exactament com han de ser i ocupar el lloc que han d'ocupar, un davant o al costat de l'altre, com si haguera estat i haguera de ser sempre així"

·         La seda

El nom que rep l'edifici de Llotja de la Seda deriva del fet que aquest teixit fou des del segle XIV al XVIII la indústria més potent de la ciutat. En el XIV ja hi havia seders locals, majoritàriament jueus, i mes tard conversos, agrupats el 1465 en la confraria de la Mare de Déu de la Misericòrdia, sota l'advocació de la qual hi ha la capella de la Llotja construïda entre 1484 i 1486.

Alhora que s'estava bastint la Llotja de la Seda (1483-1498), la indústria sedera de València conegué un gran auge, traduït en els 293 mestres seders censats a la ciutat el 1487. Al final del segle XVII, tan important era la seda en les transaccions comercials que la Llotja de Mercaders passà a ser coneguda com de la Seda. La segona meitat del XVIII fou el moment de màxima esplendor: 25.000 persones es dedicaven a la indústria de la seda a la ciutat de València, que comptava amb més de 3.000 telers. Tanmateix, a partir de 1790 començà l'ocàs de la indústria sedera de València, que mai més tornà a reeixir. No obstant això, la llotja ha mantingut el seu nom tradicional fins als nostres dies, en homenatge a la que fou puixant indústria valentina durant tants segles.