ARTE CLÁSICO: GRECIA

INTRODUCCIÓN

La Grecia clásica desarrolla una cultura que está en la base de la cultura occidental y europea, le aporta un legado extraordinario en todos sus aspectos.

Una serie de elementos hacen posible la existencia de esta cultura de carácter tan fuerte y su difusión y permanencia:

· La dimensión humana: el hombre adquiere gran importancia, se  convierte en el centro de todo y en “la medida de todas las cosas”. Se trata de una cultura antropocéntrica que se antepone al colosalismo de otras culturas mediterráneas.

· La polis. El griego organiza su vida en las polis o ciudades-estado. La escasa población de las ciudades griegas vivía en el interior del recinto amurallado que las rodeaba. En la zona más alta estaba la acrópolis con edificios de caràcter sagrado. Poco a poco se fueron creando nuevos elementos urbanísticos, que se distribuyeron alrededor del ágora o plaza pública: el ecclesiasterón, para asambleas públicas, el bouleuterion para asambleas municipales, la stoa para reunión y mercado. También construyeron edificios con finalidad lúdica: teatros, estadios.

          Cada polis tiene su base económica y su organización política.

         Son independientes unas de otras y mantienen relaciones de rivalidad. Aunque Grecia es un mundo fragmentado y atomizado en polis, una lengua y una cultura únicas les dieron un sentido de unidad.

·Ideal político: la democracia. Atenas desarrolla un sistema político basado en la igualdad y en la participación del ciudadano en los asuntos públicos.

·El pensamiento filosófico. En Grecia nace la forma de pensar racional basada en planteamientos teóricos más la investigación empírica. 
.La religiosidad. Los griegos son politeístas. Su religión no tiene un fuerte componente dogmático. Los dioses aparecen cada vez más humanizados con sentimientos y rasgos humanos, y los conocemos por mitos y textos literarios.

Como consecuencia de la combinación de todos  estos elementos aparece en Grecia una nueva concepción del arte, el arte clásico, basado en la belleza racional, la idealización y la valoración del hombre, el cual aparece como protagonista y como medida al considerarse como un ser perfecto y racional. Este arte bebe también de las aportaciones egipcias, asirias, prehelénicas que se integran en un nuevo concepto y una nueva valoración estética y cultural. Su impacto sobre las culturas venideras será enorme, especialmente sobre la romana que actuará de trasmisora al mundo occidental. 

El arte griego se desarrolló a lo largo de varios siglos, durante los cuales se produjo una gran evolución. Los principales períodos fueron:

. ARCAICO. A lo largo de los siglos VIII, VII y VI a.C. Etapa de formación y creación. Se establecieron los principios estéticos estéticos del arte griego.

·CLÁSICO. Durante el siglo V a.C. Se alcanzó la perfección absoluta del concepto griego de belleza. Etapa de esplendor y originalidad. Atenas es el foco cultural y artístico.

·POSCLÁSICO. A lo largho del siglo IV a. C. El arte buscó la captación de lo expresivo y lo humano por encima de la perfección de la etapa anterior.

·HELENÍSTICO . Desde el siglo III hasta la asimilación del mundo griego por Roma entre el 146 i el 31 a.C.En esta larga etapa se mezclaron el clasicismo y el posclasicismo con las ideas orientales.

ARQUITECTURA.

-       Características generales.

En Grecia , el hombre es la medida de cualquier manifestación, y también lo es de la arquitectura. De modo que, desaparece el colosalismo oriental y los edificios griegos están hechos a escala humana.

La perfección técnica es otra de sus características esenciales y radica en la perfecta proporción  y correlación entre todas sus partes. El equilibrio y la armonía entre elementos escultóricos y arquitectónicos son fruto de un trabajo en equipo bajo la dirección de un maestro, de cálculos y medidas  que persiguen la perfeccción, base de la belleza.

La belleza natural se consigue con el uso de materiales de la mejor calidad (piedra y mármol) que se cortan y disponen regularmente sin necesidad de argamasa, encajando perfectamente unas piezas con otras y adaptandose a la orografía y sus irregularidades.

Es una arquitectura arquitrabada o adintelada, basada en la disposición de elementos constructivos de líneas rectas, verticales, horizontales y diagonales.

Pero ante todo, la arquitectura es  número, proporción, masa equilibrada, lo que se consigue con el uso de los órdenes arquitectónicos: pautas para alcanzar soluciones armónicas de elementos constructivos y decorativos, establecen la disposición los principales elementos del edificio teniendo como base de la expresión estructural y estética la columna. En muchas ocasiones, el diámetro de su base se convierte en módulo, es decir, la unidad de referencia que sirve para calcular las dimensiones de todos los elementos del templo. La columna marca también la evolución del templo a lo largo de los siglos.

Los edificios se diferenciaban por el orden utilizado, basándose en cuatro partes: el basamento sobre el que se levantaba el edificio; la columna; el entablamento o conjunto de elementos que coronaban el edificio, y la techumbre a dos aguas,que albergaba el frontón.

Los órdenes arquitectónicos son: dórico, jónico y corintio. Algunas de sus caracterísitcas distintivas:

ORDEN DÓRICO: propio de la Doria.

. Sobrio.  Con simbología masculina.Representa lo fuerte, lo viril.

·         Cornisa apenas decorada.

·         Friso de triglifos(tres estrías verticales) y metopas(relieves)

·         Arquitrabe rectangular indiviso.

·         Capitel compuesto de equino(moldura circular saliente) y ábaco(pieza rectangular).

·         Collarino: anillo en la parte superior del fuste.

·         Fuste estriado con suave éntasis (abombamiento) en el centro.

·         Sin basa, arranca directamente del suelo.

ORDEN JÓNICO :

·         Esbelto, rico en  ornamentación. Con simbología femenina.

·         Cornisa muy elaborada y poco saliente.

·         Friso sin divisiones, decorado con relieves o pinturas.

·         Arquitrabe de tres bandas paralelas.

·         Capitel rematado por volutas (dos espirales) y un ábaco tallado.

·         Fuste estriado y esbelto, que se extrecha ligeramente hacia el extremo.

·         Basa formada por dos partes cóncavas y una convexa.

ORDEN CORINTIO (surgido en el s.V a.C.)

·         Derivado del jónico.

·         Capitel similar a una cesta cubierta por hojas de acanto.

·         Fueste más elevado y delgado.

Además de aplicar los órdenes arquitectónicos, la obsesión por la perfección visual lleva a la aplicación de las correcciones o ilusiones ópticas: alteraciones  casi imperceptibles de algunas formas de la rígida estructura para conseguir un edificio perfecto visualmente (Partenón).

.Edificios más representativos.

·         El santuario: era un lugar sagrado con una finalidad tanto religiosa como sociocultural. Podía ubicarse en lo alto de una colina(Atenea en Atenas), en la estribación de una montaña (Apolo en Delfos), o en una llanura (Zeus en Olimpia). Contaban con:

-       construcciones religiosas con un templo principal dedicado a la divinidad titular del santuario, y varios templos secundarios;

-       edificios destinados a competiciones atléticas: palestra, gimnasios y los tesoros para guardar los instrumentos de las competiciones, y

-        construcciones relacionadas con espectáculos, destacando el teatro.

En todos los santuarios se celebraban competiciones atléticas,teatrales y

          musicales, en las que podían participar todas las ciudades de Grecia.

·         El templo: podía formar parte de un santuario.Tuvo su origen een el megarón micénico y se estructuró en la época arcaica.

Era un edificio de estructura adintelada o arquitrabada que se construía sobre un basamento (crepidoma) de gradería, normalmente en una zona elevada para ser perceptible y poder proteger a la polis. En su construcción se aplicaban los órdenes arquitectónicos, para conseguir un alto nivel de perfección y armonía. Como material se utilizaba la madera en los primeros tiempos, pero desde el siglo VII a.C. se empieza a utilizar la piedra caliza y después, el mármol, material noble que garantiza una mejor conservación y perdurabilidad del edificio.

Las piezas de piedra se cortaban en sillares regulares que encajaban perfectamente sin necesidad de argamasa y se disponían para levantar un edificio rodeado de columnas y cubierto con un tejado a dos aguas que al cerrarse formaba una estructura triangular llamada frontón, en cuyo interior se halla el tímpano decorado a veces con relieves. El frontón es la solución armónica a las líneas verticales y horizontales del templo, creando un cierre perfecto.

El templo está concebido como morada impenetrable de la divinidad, los ritos tienen lugar en el exterior. Por tanto, el espacio interior carece de importancia: es muy sencillo, sólo para guardar la imagen del dios. Por eso, posee una planta rectangular, sencilla, con tres partes:

-       NAOS o CELLA: es el santuario: sala rectangular dividida en tres partes por dos hileras de columnas donde se guarda la imagen sagrada.Es un espacio prácticamente sin luz ni aireación. Es el receptáculo de la representación divina: todos los cultos se desarrollaban en el exterior.

-       PRONAOS: vestíbulo anterior a la naos.

-       OPISTODOMOS: simétrico al vestíbulo y posterior a la naos, custodia el tesoro del templo.

Externamente se presenta como un edificio dotado de gran belleza y perfección. Esta prioridad que se da al exterior del edificio puede interpretarse de varios modos:

v  Interpretación simbólica: las columnas aluden a los tallos de los árboles del bosque sagrado que habitaban los primeros dioses griegos. Son una barrera bellísima entre el exterior y el interior oscuro que alberga la imagen sagrada de la divinidad.

v  Interpretación arquitectónica: el templo, semejante a un anillo de columnas y situado en lo alto de un paraje natural, resulta perfectamente visible desde culaquier punto de vista; además es paradigma de armonía y simetría y expresión màxima de belleza.

v  Otra clave de lectura: los relieves mitológicos del friso y del frontón.

Las partes más significativas del templo son:

-       Cubierta a dos aguas

-       Acrótera: ornamento en relieve que remata los ángulos y el vértice del frontón.

-       Frontón: remate triangular de la fachada, en cuyo interior se encuentra el tímpano.

-       Entablamento: conjunto de elementos horizontales – arquitrabe, friso y cornisa- que corona las columnas, creando la estructura arquitrabada o adintelada.

-       Pórtico: galería de columnas.

-       Cella: sala rectangular, en cuyo interior se encuentra la naos.

-       Crepidoma: base de tres escalones

-       Estilóbato: escalón superior o basamento sobre el que se eleva la columna.

Podemos encontrar diferentes tipos de templos según el número de columnas:

IN ANTIS: dos columnas en las fachadas.

PRÓSTILO: columnas en la parte delantera.

ANFIPRÓSTILO:columnas en la parte delantera y trasera.

PERÍPTERO: rodeado de columnas.

SEUDOPERÍPTERO:columnas embebidas en la pared.

TETRÁSTILOS, HEXÁSTILOS, OCTÓSTILOS...:fachadas con cuatro, seis, ocho... columnas.

ÁPTEROS:sin columnas.

MONÓPTEROS O THOLOS: templo circular.

HÍPETROS: sin techumbre.

Las características constitutivas del templo son resultado de una evolución en el tiempo que podemos concretar en los siguientes momentos:

1ª. Fase pre-arcaica o “período geométrico” (s.XII-VIII a.C.): se tienen escasos restos, algunos templos in antis.  En general, presentan un gran alargamiento de la cella. Parece que la columnas exteriores eran de madera, no se han conservado.

2ª. Fase arcaica (s.VII-VI a.C.): se generaliza el uso de la piedra y el mármol. Se crean los santuarios, centros de peregrinación y asamblea. Del s. VI a.C. son los grandes templos de orden dórico de la Grecia continental y las colonias.

3ª. Fase de transición (finales del s. VI a.C a principios del s. V a.C): se da la transición a los modelos arquitectónicos definitivos. La mayoría de las construcciones se realizan fuera de Grecia continental por las guerrras médicas. Ejemplos: templo de Afaia en Egina, templo de Zeus en  Olimpia, ambos de orden dórico.

4ª. Fase clásica (2ª mitad del s.V): se desarrolla durante la época de Pericles y la democracia ateniense. Se consigue la madurez arquitectónica en edificios religiosos, también se construyen edificios civiles y se desarrolla el urbanismo. Ejemplos: el Partenón (dórico) y el Erecteion (jónico) en la Acróplis de Atenas.

5ª.  S. IV-I a.C.: se produce la expansión de Grecia, de modo que muchas construcciones se realizan fuera de Grecia, en Asia y África. Predomina el orden corintio y lo colosal. Además de importantes templos como el Olompeion, se construyen también edificios públicos.

La templos más representativos son:

·         El Partenón ((447-432 a.C.) es obra de Ictinos y Calícrates, bajo la supervisión de Fidias.

Formaba parte del ambicioso proyecto de Pericles para reconstruir la Acrópolis, destruida por los persas.  Ilustra la búsqueda de la perfección a través de las matemáticas. Los griegos valoraban la proporción como un elemento sagrado y el Partenón fue concebido a partir de complejos cálculos matemáticos que buscaban la proporción perfecta y que dieron como resultado un edificio elegante, compacto y unitario, que potenciaba la sensación de amplitud y espaciosidad, siempre a escala humana.

El otro objetivo fue lograr la armonía visual a través de las correcciones ópticas: el éntasis, las columnas de los extremos más separadas, el entablamento y el estilóbato curvados hacia arriba.

El Partenón es un edificio dórico, octóstilo y períptero, de planta rectangular y una gran simetría. La naos de la cella fue ideada para cobijar la estatua de oro y marfil de la diosa Atenea, de 12,8 metros de altura, realizada por Fideas. Las ventanas y las características de la puerta oriental estaban pensadas para que, cuando saliera el sol, la escultura quedara iluminada.

La fachada principal mira a Oriente, el punto por el que nace el sol. Sobre un podio se levantan las columnas dóricas que presiden el Partenón. Sus fustes son robustos y con estrías de arista viva. Llegan al capitel a través del collarino. El capitel está formado por el equino y ábaco. Sigue el entablamento con tres secciones horizontales: arquitrabe liso, friso con triglifos y metopas, y la cornisa, sobre la que se alza el frontón. Remataba el edificio una cubierta a dos aguas. En el conjunto contrastaba la blancura del mármol y la policromía de sus partes altas (azules, dorados sobre rojos...)

·         El templo de Niké Aptera ( 421 a. C.) obra de Calícrates. Mira a Oriente y está situado en un lugar estratégico en la Acrópolis de Atenas pues es el primero que se observa al entrar por la Vía Sacra. Es uno de los primeros exponentes del arte jónico. El pequeño templo se sustenta en columnas jónicas de 4m. que tienen base, fuste más esbelto que el dórico y capitel decorado con volutas (imitan la caída de los cabellos rizados femeninos) que se enrollan sobre el fuste. El entablamento está compuesto por un arquitrabe con tres franjas, un friso con relieves continuos y sin triglifos y metopas, y una cornisa. El edificio está coronado por una cubierta a dos aguas.

Es un templo de planta rectangular, anfipróstilo (con pórtico de columnas en las dos fachadas) y tetrástilo. Carece de pronaos.

Destaca tanto por su sencillez como por la decoración en altorrelieve del friso.

·         El Erecteion (entre 421-406 a.C.) obra de Mnesicles, quien proyectó también los Propíleos, accesos a la Acrópolis. Es la última obra realizada en la Acrópolis. La topografía accidentada y la necesidad de conservar los vestigios de viejos santuarios obligaron a adoptar un espíritu totalmente innovador. Exponente del estilo jónico, tiene el bellísimo pórtico de las Cariàtides en recuerdo de las mujeres de Caria (ciudad aliada con los persas contra los griegos en las Guerras Médicas), cuya esclavización se rememoraba al representarlas como soportes de los edificios públicos.

Fue dedicado a varios dioses (Atenea y poseidón) y a héroes. Desconcierta por su distribución a diferentes niveles y su planta es fruto de las irregularidades del terreno.  El Erecteion es la unión de dos templos: el santuario de Atenea y un segundo templo dedicado a Poseidón, Erecteo y Cécrope.

Edificios civiles:

·         El teatro.

Tuvo un  origen religioso, que proviene de las fiestas celebradas en honor de Dioniso, dios del vino. La forma circular de la orchestra estuvo condicionada por el ritual de ofrenda al dios, que se realizaba alrededor de su altar central.

Así, el teatro griego se organiza alrededor de la orchestra, área circular y plana donde el coro cantaba y bailaba. La cávea o gradería rodea en semicírculo a la orchestra; es el espacio destinado al público y aparece dividida en sectores por diversas escaleras que ascienden radialmente.

La escena, tangente a la orchestra, es un edificio que en principio servía de vestuario y almacén. Con el tiempo fue el lugar de representación de la obra y entoncés se desarrolló el proscenio , plataforma elevada donde actuaban los actores y al que se accedía a través de dos rampas laterales.

La entrada del público a la cávea se realizaba a partir de dos enormes accesos laterales llamados parodos, que daban a un pasillo situado entre la escena y la cávea.

El teatro griego fue una gran creación de la arquitectura griega. Partía de una concepción opuesta a la actual, ya que los griegos utilizaban espacios abiertos en relación con su entorno natural. En este caso aprovechaban la pendiente de las colinas para excavar sus gradas y en el pie se situaba la escena y la orquesta circular.Tenían como resultado forma de herradura.

El ejemplo más destacable de teatro griego es el de Epidauro, obra de Polícleto el Joven del s. IV a. C, con un aforo de 15000 espectadores.

·         Las stoas: extensas galerías cubiertas, con columnas  en su frente, levantadas en diversos lugares de las polis. Sus finalidades eren múltiples: la reunión de ciudadanos, la protección de las inclemencias del tiempo, el establecimineto de mercados.

·         El ágora. Era el núcleo de la ciudad. Se formaba por la construcción de cuatro stoas conformando un espacio cuadrangular o rectangular entre ellas en forma de plaza descubierta rodeada por galerías porticadas.

·         El odeón. Para certámenes filarmónicos.

·         Stadium: se realizaban carreras de atletas.

·         Hipodromo: carreras de caballos.

·         Vivienda: de dimensiones humanas, sencillas al exterior. Se ordenaban internamente alrededor del peristilo: patio con columnas al que asomaban las habitaciones.

·         Monumentos sepulcrales:escasos ejemplos, a partir de la época clásica. (Mausoleo de Halicarnaso).

·         Urbanismo: tiene su auge en el s. V a. C. Destaca la ciudad de Mileto, planificada por Hipódamo de Mileto. Creó un trazado ortogonal que se adapta al territorio y al contenido político-social de la polis, de base democrática.

AUTORES DEL POSTIMPRESIONISMO

Cuando se revisa la trayectoria artística de Paul Cézanne (1839-1906) se llega en poco tiempo a una conclusión básica: sin su obra no podría entenderse el arte contemporáneo. Y esta afirmación tiene un punto de curiosidad: Cézanne abandonó sus estudios de derecho para dedicarse a la pintura, pero pasó la mayor parte de su vida sin que nadie reparase en su labor. Vivió mucho tiempo en el sur de Francia y no fue hasta 1895 cuando se organizó una primera exposición importante de sus trabajos. A partir de ahí la crítica comenzaría a reconocer su aportación al arte pictórico, de manera que una nueva exposición en 1904 lo consagraría definitivamente como genio de la pintura y padre de las vanguardias que iban a caracterizar el siglo XX.

Cézanne atravesó un primer periodo impresionista, tras el cual, retirado en Aix-en-Provence, y asegurado su futuro por haber recibido una herencia, se concentra en la actividad pictórica, en la que da signos de enorme madurez. Aunque mantuvo algunas características propias de los impresionistas, como el interés por los paisajes y la pintura plenairista, se concentra en la simplificación de los volúmenes y en la yuxtaposición de los colores, asociando forma a color. Tiene cerca de casa una montaña, la de Sainte-Victoire, y la pinta compulsivamente más de setenta veces, en un afán de convertir a la naturaleza y a la vida misma en algo geometrizable. Para entonces su obra empieza a ser conocida y jóvenes pintores reivindicarían su estilo de pintar. Y fue así como el viejo artista que había vivido casi en el anonimato terminó sus días consagrado como genio de la pintura y como padre de los constructivistas, los cubistas, los fauvistas y otros movimientos.

Hoy nadie duda de su genialidad, pero cuando murió, Vicent Van Gogh (1853-1890) era casi un perfecto desconocido en el mundo de la pintura. Un hombre que había cambiado frecuentemente de ocupación: misionero entre mineros, comerciante, profesor, ayudante de un pastor protestante, librero y... pintor a duras penas, sobre todo desde 1880, cuando decide definitivamente dedicarse a la pintura.

En esos diez años que transcurren hasta su muerte Van Gogh pintó compulsivamente: casi 900 cuadros y más de 1000 dibujos. En medio de ello, la grave enfermedad psicológica que padecía se iba agravando progresivamente mientras su sostén corría a cargo de su hermano Theo.

Tras una estancia en París, el artista se trasladó al sur de Francia en 1888, buscando una paz y un sosiego que jamás alcanzaría. Pasó sus últimos meses en un sanatorio y, poco después de abandonarlo, en julio de 1890 decidió acabar con su vida, suicidándose de un disparo. Él mismo había escrito dos años antes que "quizás la muerte no es el asunto más grave en la vida de un pintor."

Incluido dentro de ese periodo que denominamos postimpresionismo, el estilo de Van Gogh es inclasificable en movimiento alguno por su elevada originalidad, apreciable sobre todo en la forma de emplear los colores y en el tipo de pincelada, inconfundible, al que suele recurrir. Su obra es un precedente directo para movimientos artísticos de la importancia del expresionismo, el simbolismo o el propio fauvismo.

Paul Gauguin.

Gauguin es el ejemplo que representa el mito del bohemio y del primitivismo. Él encarna la necesidad de unir arte y vida. Esta es una utopía presente en la vanguardia.

Su pintura tiene un gran componente ético. Gauguin rechaza la cultura de Occidente y abandona la civilización en pro de los pueblos primitivos. Rechaza lo académico, valora la máscara africana, el arte románico y todas aquellas tendencias que estaban fuera de lo habitual. Valora este tipo de arte no por lo que tiene de curioso y diferente, sino por su autenticidad. Ante todo busca el encontrarse a sí mismo, al refugiarse en mundos diferentes encuentra la paz. En cambio; otros han dicho que sólo viajó a Tahití en busca de mujeres mulatas y sexo.

     En su primera etapa profesional, era agente de bolsa, desde 1874 empezó a compaginar su trabajo con el arte. En 1883 abandona definitivamente su carrera para dedicarse por completo al arte, abandonó a su familia y se refugió en la pintura.

Primero se movió en el Impresionismo, pero pronto evidenció un marcado antinaturalismo más sensible al poder evocador de los objetos y su carga emocional. Su pintura es casi un misticismo, ya que intenta desentrañar el sentido verdadero de la realidad. Es un pintor de contenidos, de enigmas del ser humano; él siempre se preguntó ¿Quiénes somos?, ¿Dónde vamos?.

Cuando se instala en Taití se familiarizaría con los indígenas e incluso tomó como compañera a una de ellas, se habituó a sus costumbres y se esforzó por comprender su religión.

En el plano artístico, se basó en los elementos del folclore de la isla, observando las cosas que veía e intentando ir más allá de ellas. Su paleta se enriqueció con colores puros y cálidos creando un vocabulario personal y un estilo lleno de simbolismo, cobrando gran fuerza expresiva. La luz pierde importancia a favor de la exaltación del color, principio en que se basa años después el fauvismo. La fascinación de sus cuadros radica en las amplias zonas de colores y en sus figuras grandes, contorneadas de manera nítida. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras y la sensación de plano es igual que en las pinturas japonesas.

 En La visión después del sermón (1888), el trazo de los objetos y los personajes los aísla entre sí. Utiliza colores vivos, nada realistas, simplifica los volúmenes y suprime las sombras y las gradaciones de color para crear una atmósfera ilusoria, donde a un grupo de mujeres, tras escuchar el sermón, se les aparecen Jacop y el ángel.

El Cristo amarillo, se inspira en los artistas medievales y en la estampa japonesa. Presenta un tema religioso con un grafismo extremadamente simplificado, enmascarando las formas en contornos oscuros.

En ambas escenas observamos el simbolismo fruto de las relaciones que entabló con poetas simbolistas, que tiende a otorgar a la obra un significado intelectual.

Gauguin sin dinero, después de vender su colección de pinturas impresionistas y cada vez más forzado por la necesidad de ganarse la vida ya que apenas vende sus obras, decide en 1891 irse a Tahití. Gauguin decía: "sólo quiero crear un arte sencillo. Para ello necesito empaparme de una naturaleza virgen,

Mujeres de Tahití; Dos mujeres tahitianas; ¿Cuándo te casas?; Nave, nave, ahora, son algunas de las obras donde capta la belleza de los paisajes y de las bellas muchachas.

Su obra maestra es la inmensa alegoría ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? Pintada inmediatamente antes de su intento de suicidio.

En Y el oro de sus cuerpos plasma un sentimiento trágico. Fascina la fuerza expresiva del color que influirá no sólo en el fauvismo y en Matisse, sino en el Expresionismo.

La obra de Gauguin abre nuevos horizontes estéticos en las generaciones posteriores, ejerciendo una poderosa influencia en el movimiento expresionista y fauvista.

Impresionismo: autores y obras

El Impresionismo es un movimiento pictórico surgido en París, Francia, a mediados del siglo XIX. Pero no fue hasta 1874 que el Impresionismo floreció.

Un 15 de abril de ese año, un grupo de pintores quiso desafiar la exposición del Salón Oficial de París realizando una muestra paralela en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras. Se presentaron bajo el nombre de "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores". Entre ellos había artistas como Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro, Alfred Sisley, y Claude Monet, entre otros. Curiosamente fue una obra de este último, el célebre pintor francés Monet, titulada “Impresión: sol naciente” pintada en 1872 la que bautizó esta corriente artística como Impresionismo.

El Impresionismo rompía con las leyes del academicismo, suprimiendo la perspectiva tradicional, la anatomía clásica y el claroscuro. Los autores de este movimiento rechazaron los colores oscuros para buscar la claridad, la transparencia y la luminosidad.

Fueron los pintores del Impresionismo los primeros en poner sus caballetes en plena naturaleza, concretamente en el bosque de Fontainebleau. Para Monet, Renoir o Pissarro, la naturaleza era una fuente de sensaciones puras, de efectos que se convertían en objetos de la pintura.

El campo inicial del Impresionismo fue precisamente el paisaje. Si en un principio aplicaron los efectos de la luz a superficies reflectantes, como el agua y la nieve, muy pronto lo ampliaron a todos los elementos compositivos, como la figura humana, el cielo, los paisajes urbanos, entre otros.

La temática era uno de los principales motivos de discrepancia que tenían los pintores impresionistas con la sociedad de la época. Procedentes de una clase social popular, o próxima a ella, a los impresionistas les resultaba placentero retratar gustos y costumbres que les eran familiares. Por el contrario, los clientes de arte, pertenecientes a las clases burguesas y aristocráticas, estaban acostumbrados al idealismo y al reflejo de la sofisticación en los cuadros. Como consecuencia, la alta sociedad consideraba que los impresionistas estaban en guerra contra la belleza.

Los artistas del Impresionismo dedicaban un largo período de tiempo al estudio de la técnica pictórica. La plasmación de la luz era trascendental para ellos, ya que creían que los objetos sólo se veían en la medida que la luz incidía. La coloración de las sombras era otro aspecto importante en el Impresionismo, así como la repetición de tema con cambios de matices de iluminación, como única diferencia.

Pese a empezar como un grupo de artistas, a partir de 1886, cada uno de los pintores buscaron renovar el arte por sus propios medios y comenzaron a gozar de un modesto triunfo. 

Autores y obras

Eduard Manet (1832-1883) 

Se sitúa a caballo entre el realismo y el Impresionismo. Muchos han clasificado su estilo como naturalista porque se basa en la observación de la realidad y su plasmación sin alteración alguna. Representa la vida tal cual, sin adorno ni metáfora. Por ello sus obras suscitan escándalos y polémicas como en su Desayuno sobre la hierba que provocó la hostilidad de los críticos conservadores. El tema ya contaba con antecedentes en el Renacimiento, pero Manet lo interpreta adecuándolo a la modernidad.

Lo mismo sucede con Olimpia, para su desnudo no necesitó diosas ni musas como en el Renacimiento y en el Barroco, sino que representaba el desnudo de una prostituta, una mujer de la vida contemporánea. Para captar la realidad y la fugacidad utilizó la pincelada rápida y empastada, rasgo que identificará al Impresionismo. Por ello podría decirse que Manet fue su precursor.



Monet (1840-1926)
Es uno de los pintores que más contribuye al movimiento. Nunca derivó hacia otras corrientes artísticas, sino que se mantuvo fiel al Impresionismo hasta su muerte.

Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. La luz engendra el color y la forma. Sus temas preferidos son las marinas, las escenas fluviales y los paisajes. Ejemplos: Impresión atardecer, Regatas en Argentuil, Las amapolas, Paseo con sombrilla, La estación de San Lázaro, La Catedral de Rouen.








Renoir (1841-1919)

Ofrece una interpretación más sensual del Impresionismo. Se pone en relación con los pintores del S. XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó.
En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas.
Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. El palco, El columpio, El Moulin de la Galette, Le dèjeuner des canotiers, Bañistas, son sus obras más representativas.

Degas (1834-1917)

Es un impresionista más de la forma que del color. Es un hábil dibujante, le preocupó captar el movimiento con fidelidad, de ahí que desarrollara temas como las bailarinas y las carreras de caballos.
Es un gran observador de la mujer, capta las posturas más insólitas, las poses naturales e instantáneas. Algunas de sus obras son: Clase de danza, La bebedora de ajenjo, Bailarina en la escena, Planchadores, Carreras. Cultivó el dibujo en detrimento del color, por lo que no armonizó bien con el Impresionismo, y tampoco con las tendencias conservadoras por sus temas contemporáneos






Otros genios del impresionismo: Sisley, Pisarro
Tan fiel como Monet a la técnica del Impresionismo se mantuvo Sisley (1839-1899), que fue exclusivamente un pintor paisajista y será Pisarro (1830- 1903), quien lleve hasta las últimas consecuencias el estudio de la luz y el color llegando al post-impresionismo y al puntillismo.
Los autores impresionistas no tenían conciencia de grupo, aunque todos reivindican la libertad a la hora de seleccionar el motivo pictórico, cada uno plasmará lo que ve. Es un arte íntimo arraigado en el sentimiento de la originalidad individual, que se inicia con las vivencias personales y con las experiencias en soledad.
A principios de 1880 estas diferencias estilísticas y las cuestiones personales comenzaron a agudizarse y el Impresionismo como movimiento de vanguardia acabó diluyéndose. De sus cenizas comenzaron a gestarse las propuestas de otros artistas que darán lugar al post-impresionismo y al neoimpresionismo.

En España, el Impresionismo tuvo varios seguidores que manifestaron su preocupación por la luz. Entre ellos destacan Regoyos, Sorolla, Rusiñol y Casas.

EUGÈNE DELACROIX

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO, Eugène Delacroix. Óleo sobre lienzo. Museo del Louvre.

El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas. El rey Carlos X de Francia había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existió un único cabecilla. Por eso Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo. Tampoco está representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y real.
El espectador sólo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella. El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijamente indicándonos que ha valido la pena morir por ella.

Tema
El tema de la obra es la insurrección burguesa que tuvo lugar los días 27, 28 y 29 de julio de 1830 (denominadas «las Tres jornadas gloriosas»). Es una de las revoluciones burguesas, y más concretamente la que puso fin al terror blanco tras los dieciséis años de la restaurada la monarquía borbónica, encarnada en el ultraconservador de Carlos X, que fue expulsado del trono y sustituido por Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey burgués, con lo que se consumó el acceso al poder de la burguesía liberal, aunque no se instauró la república. Delacroix estuvo del lado de los revolucionarios, es más, él mismo se ha representado en el cuadro como el hombre que lleva el sombrero de copa negro y que se encuentra entre los combatientes y en primera fila.
La revuelta se inició el 27 de julio como protesta contra una serie de ordenanzas que restringían libertades ciudadanas. En esa noche jóvenes republicanos se pusieron al frente de la insurrección y ya de día se elevaron barricadas (de hecho al cuadro se le conoce también como La Barricada). El día 29 los revolucionarios eran dueños de la ciudad. La revuelta rebasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberación nacional (como los belgas sublevados contra los holandeses), en varios países europeos.
Nos encontramos ante el primer cuadro político de la pintura moderna, pues en su opinión la historia contemporánea es la lucha política por la libertad. Libertad que, según este mismo autor, estaba ligada indisolublemente en aquella época al concepto de Patria. De ahí que la figura central de la mujer, que es alegoría de la libertad, lo sea también de la nación. Hemos de recordar que la lucha por la libertad y por la nación (el nacionalismo) es una constante en los románticos. El mismo autor trata idéntico tema en otras obras como La matanza de Quíos y Grecia sobre las ruinas de Missolonghi, cuadro éste último en el que la nación aparece igualmente representada por una mujer -en este caso con el pecho sin descubrir totalmente- y que además refleja un episodio de la lucha del pueblo griego por su liberación del yugo turco, en el que pereció –colaborando con el bando griego- el gran poeta romántico Lord Byron.

Cuadro
Hay una estructura en forma de pirámide con los muertos por la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle. El ligero pincel de Delacroix y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros. Para aumentar la tensión y el movimiento añadió contrastes complementarios junto a la oposición de los claroscuros. El color para Delacroix no solo tenía un valor de representación, sino sobre todo un significado emocional propio, con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo el sentimiento y la disposición de ánimo de las personas. De fondo se ve el cielo de París tormentoso (otra característica romántica).
Se utilizan colores pálidos con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco de la bandera.

Personajes
En el cuadro aparecen jóvenes, adultos, clase obrera, burgueses y soldados defendiendo a la Libertad que, como ya se ha dicho, en este caso se identifica también con Francia y es representada como una mujer empuñando un fusil de la época (rasgo realista) y con el pecho al descubierto, hecho este último que escandalizó a críticos y a parte de la sociedad de la época. Entre los muertos del primer plano (abajo, a la derecha del espectador) aparecen también soldados leales a Carlos X. Su anatomía es perfecta.
El personaje del sombrero es un burgués, en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participó en los hechos. En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribió a su hermano: "He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada... y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintaré para ella". Aunque, como era habitual en los románticos, Delacroix criticaba a la pequeña burguesía por su estrechez de miras, él mismo procedía de una familia de la alta burguesía y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas. Por otra parte, así como fue revolucionario en 1830, adoptó una postura contrarrevolucionaria en 1848, en la que comienza a emerger la clase obrera (ese año Marx publica su Manifiesto Comunista). En cualquier caso como ocurrió con David, fue un autor políticamente comprometido.
La figura de la Libertad (que recuerda a algunos la Venus de Milo y a otros la Victoria alada de Samotracia) porta dos símbolos revolucionarios: el gorro frigio y la bandera tricolor, que el nuevo régimen -a pesar de ser monárquico- adoptó nuevamente. En segundo plano, a la derecha del espectador, encontramos Notre-Dame de París, en una de cuyas torres ondea la bandera revolucionaria, quizás para afirmar el sometimiento de la iglesia, que había sido uno de los apoyos de la restauración borbónica.

Composición
La composición del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de Géricault, obra en la que posiblemente se inspira. Argan ha señalado que al igual que en la balsa, «el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables (la barricada), y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el movimiento de la composición» que acaba culminando en una persona que agita algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. No obstante, este mismo autor señala que aunque hay similitudes, también hay diferencias, y así en mientras que en la obra de Géricault el movimiento es de delante hacia atrás, en la Libertad es todo lo contrario (hacia el espectador). Cuadros de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo, parecen también haber influido en esta obra, por las asimetrías, las diagonales y los estallidos de color.

Características formales
• Forma abierta
• La sensación de perspectiva está presente en la obra gracias a los edificios del fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamaño al fondo del lienzo.
• La línea del horizonte es algo inestable, sería la línea imaginaria entre las cabezas de la multitud al fondo del cuadro, que se difuminan con el humo y los edificios del fondo del lienzo.
• Los tres elementos (bandera, camisa del muerto de la izquierda y vestimenta del herido que se alza frente a la Libertad) forman una línea recta imaginaria que forma un eje central.
• Las figuras principales se enmarcan dentro de una pirámide que asciende en el vértice de la cual el eje central es la Libertad y los dos muertos en primer término cierran el triángulo.
• La luz del cuadro es irreal, ilumina la Libertad con la bandera tricolor, una parte del cuerpo del niño que hay a su lado, al moribundo de la chaqueta azul, al muerto del margen inferior izquierdo y las manos y media del hombre del sombrero de copa. En este caso la luz y el color tienen un objetivo en común: potenciar el movimiento.
• Las pinceladas muestran una gran desenvoltura y ondulación. El rojo y el azul de la bandera, de la vestimenta del herido que se alza delante de la Libertad, y de la camisa del muerto de la izquierda resaltan por encima de todo el predominio de las tonalidades ocres y grises del conjunto.

Otros aspectos
Junto a la figura alegórica de la Libertad, se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis desnudo de la persona muerta que hay en primer plano, abajo a la izquierda (obrero de la camisa blanca). ¿Es un cuadro alegórico o histórico? No parece que sea ninguna de las dos cosas, por cuanto que lo único alegórico es la figura de la mujer-libertad-patria y tampoco representa un hecho concreto real. Théophile Thoré elogió la obra y refiriéndose a la mujer dijo: «¿Es una muchacha del pueblo? ¿Es el genio de la libertad? Es ambas cosas [...] La verdadera alegoría debe tener el doble carácter de ser una figura viviente y un símbolo».
La obra está impregnada de movimiento no solo por los gestos dramáticos de los personajes, y por la composición en diagonales, sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran en la base de la composición y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiración del autor por Rubens. Por otra parte la luz lo refuerza, pues es una luz dramática y compleja, con zonas iluminadas y otras en penumbra, pero cuyo origen no se vislumbra. La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral, pero a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido, humeante y nuboso, que dota de más inquietud a la composición. No obstante, ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogéneas en tonos de bronce –como en Caravaggio-, pues incorpora con gran maestría más fuerza y variedad cromática, como por ejemplo el azul de la bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la Libertad. Lo que pone de manifiesto que Delacroix domina también el color, del que fue un fino estudioso.
La perfecta combinación de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores (por ejemplo, los combatientes de detrás de la mujer) recuerdan a Goya, determinan que nos encontramos ante una obra y un autor de una tremenda trascendencia en la pintura contemporánea. Por otra parte su maestría en ordenar grandes composiciones como La muerte de Sardanápalo o la de esta obra, es también evidente. Delacroix, que tuvo una formación neoclásica, reaccionó contra el academicismo y llegó a convertirse en el culminador del romanticismo del que su amigo Géricault –tempranamente muerto- fue iniciador. Con Delacroix se produce una ruptura con la herencia clásica a consecuencia de la cual, y como dice Argan, “el arte deja de mirar hacia lo antiguo y empieza a plantearse el ser, a toda costa, de su propio tiempo”.

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES(1746-1828)

Goya supone un fenómeno sorprendente porque surge en el ámbito más decaído del panorama pictórico dominado por el neoclasicismo.

Será un pintor antiacademicista. Mantuvo un estilo propio por lo que resulta difícil de clasificar en alguna de las corrientes artísticas de su época. No se somete a normas y trata los temas de forma libre y original.

A nivel técnico fue capaz de utilizar las soluciones más variadas según el tema o el material: óleo sobre lienzo, tabla, hojalata, pared y también frescos, dibujos, litografías. Apoyándose siempre en el color, la mancha, no en el dibujo (=desintegración de la forma).

Tanto la técnica como la composición varian según los temas, que también son muy diversos:

·         En la primera época efectua cartones para tapices. Representa escenas y juegos populares. Es costumbrista con un marcado sabor castizo. La composición es ordenada y armoniosa. Los colores cálidos y vivos. Armonía cromática y compositiva.

·         En los retratos interpreta  y capta la psicología del personaje, sin idealismos. Atiende a los detalles de forma general  y anota las calidades. Pincelada corta y centelleante.

·         Los temas de crítica social o de la condición humana los trata en grabados y dibujos.

·         Los temas históricos están llenos de acción y movimiento, con composiciones complicadas. Refleja el dolor, la crueldad y la barbarie de las guerras. Pinceladas amplias. Prescinde del dibujo.

·         El tema religioso lo trata con diferentes técnicas y enfoques:

-es academicista en el “Cristo en la cruz”

-ofrece una visión popular en los frescos de s. Antonio de la Florida

-el sentimiento religioso y espiritual en “La última comunión de s.José de Calasanz”.

·         El mundo de su propio interior desolado y alucinante aparece en las pinturas negras, donde dominan negros y grises y un marcado expresionismo.

EVOLUCIÓN Y OBRAS.

Nació en Fuendetodos (Zaragoza) y sus primeros años de formación transcurrieron en Zaragoza.Optó a los premios de la Academia de s. Fernando pero fue rechazado.Viajó a Italia con sus propios recursos y allí aprendió la técnica del fresco. En 1771 pinta una bóveda para la basílica del Pilar de Zaragoza.

En 1775 se traslada a Madrid donde contrae matrimonio con la hermana de Fco. Bayeu, pintor de Cámara. De aquí obtuvo el acceso a los talleres reales, donde trabajó como cartonista de tapices. En este trabajo mostrarà un estilo propio, superior al de sus colegas y superiores. Frente al convencionalismo académico, Goya trata los temas populares con gracia, colorido, resaltando lo castizo dentro de composiciones ordenadas, amables. Los colores son vivos y fogosos. Destacan: El cacharrero, La vendimia, La gallina ciega, Las cuatro estaciones.

Su trabajo tiene éxito. Es conocido por los reyes y accede a Palacio, lo que le permite conocer las obras reales, en especial Velázquez.

La Academia de s. Fernando, que antes desestimara su arte, en 1780 le cede un puesto de académico y para la recepción pinta El Crucifijo , inspirado en el de Velázquez.

Entre 1782 -1792 conoce su etapa feliz. Trabaja en la Corte. Conoce a los nobles y gana su simpatía y encargos, retrata todo el mundo privilegiado. Pero en los retratos de esta época desdenya el retrato de aparato,anecdótico, minucioso,  donde lo accesorio acapara todo el interés. A Goya le preocupa la expresión psicológica, la profundidad del alma, aunque igualmente logra deslumbradoras calidades en las telas.

Retrata a la familia del duque de Osuna, la marquesa de Pontejos, el conde Fernan-Núñez, la duquesa de Osuna, la duquesa de Alba...

Este período culmina cuando en 1789, Carlos IV le nombra pintor de Cámara, iniciándose la espléndida serie de retratos de la familia real.

Primera crisis.

En 1793 Goya enferma de gravedad y como consecuencia quedaría sordo. Sui caràcter cambia, no encaja la situación  y protesta contra la desgracia. Solo tiene contacto con el mundo a través de la vista y eso le llena de malhumor y se vuelve desconfiado. Se fija ahora en el espíritu de los hombres. El grabado será un medio muy adecuado para hacerlo, es un desahogo de los males. De 1793 a 1796 crea la serie de grabados Los Caprichos: la ironía, la crítica social , la brujería, son sus temas.

También hace pequeños cuadros donde refleja la realidad española más repulsiva: El entierro de la sardina, El Tribunal de la Inquisición, los Disciplinantes, una Corrida de toros y una Casa de locos.

El retrato alcanza ahora su gran madurez: la duquesa de Alba, la condesa de Chinchón, Moratín, Jovellanos, La maja vestida y la Maja desnuda.

En 1789 decora la bóveda de s. Antonio de la Florida: tema religioso de forma popular y realista.

En 1799 será nombrado primer pintor de Cámara. Retrata sin descanso la familia real. Se distinguen los retratos ecuestres de los reyes y el gran cuadro de toda la familia : La familia de CarlosIV: refleja la monarquía absoluta ilustrada ya en decadencia desde 1789. Hay que destacar la captación psicológica de los personajes, así como la muestra de las cualidades coloristas del pintor y su capacidad para captar las calidades.

La segunda crisis.

En el apogeo de su actividad artística, Goya se ve sorprendido por la invasión francesa de 1808. Goya se encuentra ante un grave dilema: defender su patria o aceptar las ideas libertarias y revolucionarias francesas. No obstante, lo que más impresionó al pintor fueron los horrores, las tragedias, desatres y desdichas. Esto aparece en las escenas de los dibujos Los horrores de la guerra.

Pasado el conflicto, en 1814 pintó el Dos de mayo y Los fusilamientos. Los dos son de gran modernidad: aparece la sangre roja recién vertida y la exaltación y ferocidad de sentimientos.

Tras la guerra y con el regreso de Fernando VII, Goya vuelve a ser pintor de Cámara, pero no simpatiza con el absolutismo del monarca. En sus retratos del rey deja entrever la escasa inteligencia de Fernando VII, utilizando un implacable realismo.

Compone dos temas religiosos con gran dramatismo y honda espiritualidad Oración en el huerto y La última comunión de s. José de Calasanz.

También La majas del balcón.

Desde 1815 inmortaliza la fiesta de los toros en la serie de grabados la Tauromaquía.

Pero la inclinación a lo macabro le domina. Es el período de las pinturas negras (1815-24) con las que decora la Quinta del sordo, su casa. Pinturas tenebrosas de tonos blancos, negros y grises para temas trágicos y sangrientos y misteriosos. Brujas, hechiceras, viejas y desdentadas, la fealdad hecha arte. Es lo macabro en franca ruptura con el pasado. (Expresionismo)

En la serie de grabados la Disparates aparece lo monstruoso y deforme, seres a medio construir o con varias caras, de imposible realidad.(Suprarrealismo). De esta época es Saturno devorando a sus hijos.

Hastiado y abandonado pasa a Francia, se instala en Burddeos. Allí utiliza la técnica de la litografía.

En 1828 moría. Su desaparición pasó inadvertida. Poco después, su pintura seria buscada ávidamente. Había puesto los cimientos de la pintura contemporánea.

Su genialidad hace que su obra sea difícil de catalogar.Está por encima de las clasificaciones y anuncia movimientos artísticos venideros:

-prerromántico por la pasión por los personajes y acciones

-realismo por la mirada a las clases humildes

-impresionista por la pincelada suelta, sin línea

-expresionista por los estados exasperados, sin atender a la forma.